EFECTOS SECUNDARIOS

SIDE EFFECTS

Dirección: Steven Soderbergh

Intérpretes: Rooney Mara, Jude Law, Catherine Zeta Jones, Channing Tatum, Vinessa Shaw, David Costaible, Andrea Bogart.

Sinopsis: Martin (Tatum) sale de prisión después de 4 años. Coincidiendo con su puesta en libertad, su mujer, Emily,(Mara) comienza a desarrollar una tendencia suicida. La familia decide tomar medidas y envía a Emiliy a un psiquiatra (Law) el cual le propone introducirse en un programa de prueba de fármacos que está dando muy buenos resultados en pacientes como ella. Pronto se verán las terribles consecuencias de su elección.

A pesar de que ha anunciado reiteradas veces su retirada del cine, Soderbergh, vuelve a la gran pantalla con una película oscura y psicológica que nos recuerda que cuando este maestro se retire definitivamente el cine perderá mucho. Cuenta en esta ocasión con un reparto poco convencional, la gótica Rooney Mara (Que desde el brillante remake de Fincher de la saga “Millenium” escala puestos en Hollywood), Un Jude Law que últimamente despunta en cartelera, una rescatada Catherine Zeta Jones y un Channing Tatum que va haciendo tímidamente sus incursiones en un cine que no es propiamente de acción.

La película muestra herencia del estilo rápido y depurado de Soderbergh, a la vez que presenta una ambientación e iluminación tenue y siniestra más propia del cine de Fincher. Además, choca la dureza y la realidad en la trama que nos hará dudar de todo el mundo, y repetidas veces.

Siguiendo la tendencia que caracteriza últimamente a todo el cine relacionado con psiquiátricos y problemas mentales, el filme nos ofrece un giro inesperado al final que provoca que una película como “Efectos secundarios” requiera de cómo mínimo dos visionados para poder volver a comprenderla en toda su plenitud. No por ello toda la trama no se explica magistralmente en la película. Al final la película engaña y lo que parecía una crítica a las empresas farmacéuticas y los experimentos con personas, acaba convirtiéndose en todo un thriller psicológico a la altura del ya mencionado Fincher.

Atención a la banda sonora de Thomas Newman que después de su enorme éxito con la música de “Skyfall” de Sam Mendes, se eleva a la esfera de los grandes al compartir posición con Hans Zimmer, Howard Shore o John Williams. Con una simple melodía versionada en todas las pistas que componen la banda sonora consigue un efecto embudo en la historia similar al que ya consiguieron Trent Reznor y Aticuss Ross.

En conclusión, “Efectos Secundarios” resulta una película altamente competente que nos introduce en un mundo de psiquiatras, pastillas y asesinatos. Soderbergh mantiene la calidad que caracteriza a su cine y relanza a dos jóvenes actores que darán de que hablar.

Valoración: 8/10

G.I. JOE: LA VENGANZA

G.I. JOE: RETALIATION

Dirección: Jon M. Chu

Intérpretes: Dwayne Johnson, Chaning Tatum, Bruce Willis, Jonathan Pryce, Adrianne Palicki, Arnold Vosloo, D.j. Cotrona, RZA.

Sinopsis: La unidad de fuerzas especiales G.I. Joe encerró hace un tiempo a dos terroristas que amenazaban la paz mundial: el Comandante Cobra y Zartan. No obstante los dos malvados se las apañan desde su prisión subterránea para destruir a los G.I. Joe y raptar al presidente de los estados unidos, los G.I. Joe han muerto. ¿Todos? No, tres soldados sobreviven al ataque de los malvados y deciden vengarse.

Si la sinopsis ya les ha parecido absurda, prepárense si van a ir a ver la película, o más bien el bodrio-película. Jon M. Chu, conocidísimo director (nótese la ironía) de películas como “Justin Bieber: Never say never” o la saga “Street Dance” (Joyas incalculables del cine bizarro), coge las riendas de la segunda película de esta saga de ninjas-operaciones especiales con nombres tan absurdos como “Snake Eyes”, “Dark Shadow” o “Comandante Cobra”. Prepárense para una crítica que no dejará títere con cabeza.

Este bizarro proyecto cinematográfico está plagado de secuencias tan absurdas como los nombres de sus personajes: Un Bruce Willis que tiene armas escondidas en su casa hasta en la cafetera que nos hace preguntarnos si desayuna pistolas todas las mañanas, Un Dwayne Johnson al que resulta difícil imaginárselo más mazado y que por supuesto elegirá siempre el arma más grande, Ninjas que combinan el uso de katanas irrompibles que resisten el impacto de una bala con subfusiles y motos voladoras explosivas, y por supuesto unos malos a los que les tiene que exudar su maldad por cada poro de su cuerpo (voces malvadas, comentarios crueles, cicatrices en el ojo y máscaras siniestras).

La película acaba resultando una mezcla entre una broma de mal gusto con una película de acción al más puro estilo “geek” que nos deja como resultado hora y media de algo que se parece más a una película de animación para niños acostumbrados a ver telebasura que otra cosa. El rol de Bruce Willis no resulta sino una copia barata de su personaje en la saga de “La Jungla de Cristal” y las bromas malas que juegan con la avanzada edad de los héroes de acción acaban siendo cansinas para un espectador que se ha tragado ya las desafortunadas aunque graciosas películas de “Los Mercenarios”. En estas por lo menos salía Chuk Norris.

Lo único que se puede salvar de la película es la excelente fotografía conseguida en la escena del Himalaya, pero nada más, porque nuestro querido director se las apañara en crear una secuencia tan absurdamente inverosímil que hasta la abuela repartirá un par de patadas giratorias (literalmente).

En conclusión, si vais a ver “G.I. Joe: La venganza” mas os vale desactivar vuestro cerebro e intentar pasar un buen rato en esta vorágine de ostias, tiros, katanas y esteroides.

Valoración: 2/10

ANNA KARENINA

ANNA KARENINA

Dirección: Joe Whright

Intérpretes: Keira Knightley, Jude Law, Aaron Taylor- Johnson, Mathew McFadyen, Kelly McDonald, Domhall Gleeson.

Sinopsis: En el contexto de la Rusia zarista, Anna Karenina es la mujer de un importante ministro del Zar de Rusia. Ella se enamora de un joven oficial de caballería llamado Vronski. Ambos jóvenes comienzan un romance apasionado que acabará destruyendo la vida de ambos y que los condenará ante la sociedad de su época.

Siguiendo con la costumbre que le ha hecho famoso en el panorama internacional, Joe Wright vuelve al género de adaptación de obras literarias. Después del choque que supuso para su estilo una película como “Hanna” (Película con la cual Wright demostró que se desenvuelve de manera magistral tanto en el drama como en el cine de acción), el director se lanza de nuevo a adaptar y en esta ocasión se lanza con la novela realista rusa de la mano de la obra del brillante Tolstoi.

El film resulta innovador y rompedor en muchos ámbitos, pero si tenemos que destacar uno, no podemos ignorar la peculiaridad de que la práctica totalidad de la película está rodada dentro en un teatro. Las secuencias se sobreponen unas a otras entre biombo y biombo y nos encontramos con secuencias extenuantemente largas que contienen varios puntos de la trama. El patio de butacas se convierte en una pista de patinaje sobre hielo y los altos del teatro se convierten en las casuchas de los suburbios de Moscú.

Las interpretaciones brillan por su cuidado en los pequeños detalles.  Wright repite por tercera vez con Knighley después de “Expiación” y “Orgullo y Prejuicio” y añade al reparto a un curtido Jude Law y a un joven y deslumbrante Taylor-Johnson. Las actuaciones son correctas sin llegar a ser nada especialmente destacables, si bien es verdad que en todo momento consiguen transmitir lo que se proponen.

Sin embargo, y a pesar de las novedades experimentadas, no podemos decir que las nuevas medidas hayan dado un resultado del todo positivo. A pesar de la novedad del rodaje casi integro en un teatro, lejos de entretener y poder ser disfrutado deja al espectador mareado y en ocasiones sin entender exactamente qué está pasando. (Si bien es verdad que el ojo acaba acostumbrándose a esta novedad, al principio cuesta). A nivel interpretativo, el plano psicológico del arrepentimiento, (Que resulta ser la pieza angular de toda la construcción del personaje de Anna Karenina en la obra) queda rebajado y en ocasiones brilla por su ausencia.

En conclusión, Anna karenina resulta una película que comienza pareciendo curiosa pero que acaba aburriendo y haciéndose pesada. Cabe destacar su brillante vestuario, pero parte de eso es una película que no añade nada a lo ya filmado y que pasará desapercibida con el tiempo a diferencia de las predecesoras de su director.

Valoración: 6/10

EL ATLAS DE LAS NUBES

CLOUD ATLAS

Dirección: Tom Tykwer, Andy Wachowsky, Lana Wachowsky,

Intérpretes: Tom Hanks, Halley Berry, Jim Broadbent, Ben Wishaw, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Doona Bae, Susan Sarandon, Jmes D’Arcy, Hugh Grant, Keith David.

Sinopsis: Seis situaciones temporales dispersas en el tiempo: un joven médico viaja a bordo de un barco en pleno siglo XIX, un compositor homosexual comienza a trabajar para un magnate de la industria durante el periodo de entreguerras, una reportera investiga la apertura de una planta nuclear en los setenta, un editor se ve encerrado en un asilo en 2012, una rebelión liderada por una clon que escapa de su decadente vida en el año 2500 y la búsqueda del conocimiento de los antiguos en los albores de la nueva era, conforman un retablo de personajes y su evolución durante las distintas épocas.

En primer lugar, pedir disculpas a mis lectores porque esta crítica va a ser muy extensa,  pero una película de casi tres horas y de tal complejidad argumental bien lo merece. Tom Tykwer (“Corre Lola, corre”) y los Wachowsky (Que por fin realizan un proyecto a la altura de la trilogía que les hizo famosos: “Matrix”) nos ofrecen un ejercicio complejo de comprensión en un retablo de actuaciones que se entrelazan temporalmente y que acaba resultando ser una enunciación del principio del karma y un homenaje a toda la historia del cine.

Basada en la novela homónima, la película nos ofrece la historia de una serie de personajes que se presentan en diferentes etapas de la historia, cambian de posición social e incluso de sexo, los actos que hacen en una vida les condicionan en la siguiente y en cada periodo, uno de estos personajes lleva la voz cantante. Original y complicada de llevar a la pantalla, si alguien podía hacerlo eran los Wachowsky, que ya llevaron al cine “Matrix”, esa película cuyo argumento era “incomprensible e imposible de llevar a la gran pantalla” según Hollywood.

Los actores se pluri-emplean y realizan el papel de un mismo personaje durante las épocas, las transformaciones más conseguidas son las de Hugo Weaving, que se convierte en la enfermera de un asilo, o la de Tom Hanks, que se convierte en pastor de un mundo post-apocalíptico. Todas, e insisto, todas las actuaciones están conseguidas, lo cual hace que “El Atlas de las nubes” se convierta en un ejercicio de interpretación soberbio.

Otro punto fuerte de la película es el montaje, las seis historias se nos muestran interrumpidamente haciendo gala de un proceso de edición soberbio que no veíamos desde “Origen” de Chistopher Nolan. Las transiciones entre un periodo y otro están elegidas y estudiadas magistralmente, y una historia que intuimos pero que no sabemos se nos va resolviendo como un cubo de rubik en nuestras manos.

Además, lo que la película representa hace que su valor sea mayor, es un homenaje al cine en general, se nos muestran diferentes géneros cinematográficos (Ciencia Ficción, policiaca, drama, amor…) que se juntan, se separan y se vuelven a juntar en lo que podríamos definir como una alineación de planetas o una danza cósmica. Al final todo cobra sentido, se entiende cada pequeño detalle de la historia y el espectador se va a casa dándole vueltas a la historia.

En conclusión, “El atlas de las nubes” resulta ser una película que rompe moldes, que obliga al espectador a estar atento y a no dormirse, toda ella acompañada de una soberbia banda sonora. Los amantes del cine pueden estar tranquilos, porque ya está demostrado que siempre que una historia compleja aparezca en los estudios y nadie quiera hacerse cargo de ella habrá un puñado de directores emprendedores que se harán cargo de ella, a pesar de que la critica les funda.

Valoración: 9/10

GANGSTER SQUAD: BRIGADA DE ÉLITE

GANGSTER SQUAD

Dirección: Ruben Fleischer

Intérpretes: Josh Brolin, Sean Penn, Ryan Gosling, Emma Stone, Michael Peña, Nick Nolte, Giovanni Ribisi.

Sinopsis: Los Ángeles, 1949, el sargento John O`Mara recibe la misión de formar una brigada especial sin placas para pararle los pies a Mikey Cohen, el mafioso de turno de la ciudad que amenaza con hacerse con el control de toda la ciudad.

El casi novel director cinematográfico Ruben Fleischer se hace cargo de este proyecto después de su desternillante “Bienvenidos  a Zombieland” manejando un reparto mediático.  Un Josh Brolin que mantiene su estrellato con reticencias, un Sean Penn que simplemente se mantiene constante, un Ryan Gosling con valor en alza desde “Drive” y una Emma Stone que despunta después de haber colaborado de antemano con el director en su anterior película y después de haber sido la chica de Spiderman en su nueva y vergonzante adaptación al cine.

A pesar de que los actores sean de renombre, no podemos decir que sus actuaciones merezcan la pena. La película nos muestra un universo de tipos duros y damiselas en apuros. Brolin y Penn parecen pelar por tener el ceño más fruncido, la cara de más mala hostia y dar las leches más contundentes.  Ryan Gosling da el contrapunto pasional en una relación con Emma Stone que cumple todos los tópicos de las películas americanas.

La película en si cumple todos los tópicos, a pesar de que se venda como una película de época, la cuestión histórica no es sino una cáscara cutre que se rompe durante los primeros minutos de película para dar a descubrir simplemente una película de acción americana, con todas sus pegas acrecentadas. Si el espectador se encuentra ante una escena de la película sospechosamente le recuerda a la marabunta de películas de acción americanas que inundan el panorama cinematográfico, que no se extrañe ni intente buscarle otro sentido, es la escena, pero maquillada con un par de sombreros, un par de gabardinas y cambiando el modelo de las ametralladoras.

La película, que ya de por si resulta nefasta, no se queda ahí, sino que además comienza con una escena repugnante de cómo un mafioso parte a un individuo en dos. ¿A qué fin? El prota va al despacho del jefe y este le echa la bronca, ¿Harry el sucio?, la mujer del prota le pide que deje el cuerpo ¿Es una broma? El tío sigue fiel a su deber, y al final machaca al malo, se queda a la chica y todos son felices. Espero que la próxima vez los publicistas tengan la decencia de poner en el cartel “Esto no es una película de gánsteres” nos ahorraremos algo de dinero y prevendremos  a nuestros ojos de un nefasto espectáculo.

Valoración: 3/10

MAMÁ

MAMA

Dirección: Andrés Muschietti

Intérpretes: Jessica Chastain, Nicolaj Coster-Waldau, Megan Carpentier, Isabelle Nellise, Daniel Kash, Javier Botet.

Sinopsis: Un padre huye de la ciudad con sus dos hijas dispuesto a matarlas. Las lleva hasta una cabaña en el bosque y una vez allí un extraño ente impide el asesinato y mata al padre. Años después el hermano del difunto encuentra a las niñas en una situación primitiva en la casa del bosque, decide adoptarlas sin sospechar que durante su estancia en la casa las niñas han estado al cuidado de una misteriosa madre.

Basada en el corto del mismo nombre y dirigida por el mismo director, la gran diferencia es el dinero que Guillermo del Toro ha metido de por medio para hacer de una historia simple y barata un taquillazo mundial. Manejando una atmósfera oscura y misteriosa, “Mamá” podría convertirse en la película de terror de 2013 siguiendo los pasos de la brillante “Sinister” (2012) y la más mediocre “Insidious” (2011).

No nos vamos a engañar, la película empieza bien, por un momento nos podemos imaginar que vamos a asistir al espectáculo de terror que supuso “Sinister”, pero no es así. Basándose en los mismos principios que las ya mencionadas (La visualización fraccionaria y el ambiente de oscuridad) El bicho de la película (mamá) hace demasiadas apariciones dejando desprovisto de efectismo un final que manda a tomar viento toda la tensión acumulada durante a cinta. Sin duda, uno de los peores finales jamás rodados.

Un desperdicio, que esta cinta cuente con una estrella de tal magnitud y calidad interpretativa como Jessica Chastain, que por primera vez esconde su melena pelirroja para transformarse en una madrastra gótica que toca el bajo. Chastain, que ya se ha consagrado como una de las más grandes actrices del momento, hace una actuación competente que no obstante no salva la película.

Una vez más, el mayor logro técnico de la película resulta ser el bicho en cuestión. El actor español Javier Botet repite el rol como ya lo hizo en las españolas “Rec” y Rec 2” haciendo del espectro que da nombre a la película. La mano de Guillermo del Toro se ve en ocasiones y pequeños detalles como la música de hadas del final nos recuerdan a “El laberinto del Fauno”.

En conclusión, “Mamá” resulta ser una película que se vende bien, cuenta con una actriz de renombre y arrastra el legado de las últimas películas de terror de los últimos 3 años, las cuales han sido de gran calidad, pero no obstante la película va decayendo a medida que transcurre concluyendo con un final que nos hará reclamar el dinero de nuestra entrada. Esperemos que el cine de terror busque de ahora en adelante la calidad en vez de la taquilla y nos ofrezca antes de que acabe 2013 un proyecto que merezca la pena.

Valoración: 4/10

LAS VENTAJAS DE SER UN MARGINADO

THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER

Dirección: Stephen Schobsky

Intérpretes: Logan Lerman, Emma Watson, Ezra Miller, Tom Savini, Paul Rudd, Nicholas Braun, Julia Garner.

Sinopsis: Charlie afronta su primer año de instituto después de afrontar el suicidio de su mejor amigo el pasado verano. Nada más empezar, todo son problemas, y todo apunta a que Charlie se va a convertir en el marginado de la clase. No obstante, Charlie conoce a dos hermanastros singulares con los que conecta, y que pronto se convertirán en sus dos mejores amigos, un nuevo conflicto surgirá cuando Charlie empiece a sentirse atraído por su nueva amiga.

Bajo la apariencia de una típica película de institutos americanos, (jugadores de fútbol americano apoyados en las taquillas, animadoras contoneándose por los largos pasillos de instituto y empollones de turno siendo vapuleados sin razón aparente por toda la fauna estudiantil) “Las ventajas de ser un marginado” resulta una típica película de institutos con un mensaje no tan típico. Basada en la novela del mismo título, el film aborda los conflictos adolescentes y la entrada a un mundo hostil y salvaje. La inadaptación es el tema de fondo que el personaje sufre en primera persona y Logan Lerman resulta apto en el rol de cerebrito incomprendido a la par que brillante en el ámbito artístico.

Completan el reparto un grupo de jóvenes actores adolescentes del que sobresale Emma Watson, que después de haber culminado al fin la decadente saga de “Harry Potter” se lanza a un proyecto más independiente. En general, las actuaciones a pesar de no ser brillantes, no defraudan.

Acompañada de una banda sonora “indie” y un ambiente continuo de drogas, sexo y Rocanrol, la película presenta un mensaje liberador que una vez acabada la película no resulta ser demasiado profundo y que deja con una sensación de vacío en el espectador. Esta es la razón, por la cual, “Las ventajas de ser un marginado” acaba siendo una película del montón, a mitad de camino entre “El club de los poetas muertos” y cualquier película de institutos americana. No obstante, la cinta entretiene y nos ofrece secuencias interesantes (En especial la del túnel de la carretera cuando la banda sonora alcanza su momento álgido) Si sorteamos la concepción de cine adolescente, podremos disfrutar de una película sin sobresaltos. Servidor no pudo, pero aguantó en la sala gracias al  icono de belleza adolescente que es “Hermione”. Atentos al inesperado final.

Valoración:5/10

LINCOLN

LINCOLN

Dirección: Steven Spielberg

Intépretes: Daniel Day Lewis, Sally Field, Tommy Lee Jones, Joshep Gordon-Levitt, David Strathain, Jackie Earle Haley, James Spader

Sinopsis: Durante los últimos tres meses de vida de Abraham Lincoln, el presidente de los Estados Unidos se vio desbordado por dos frentes, la Guerra civil y el intento de aprobación de la decimotercera  enmienda. Esa enmienda aboliría de forma permanente la esclavitud en los Estados Unidos, pero como ya sabemos, Abraham Lincoln deberá plantearse el sortear diversos obstáculos que le ofrece un obsoleto sistema parlamentario para seguir su conciencia y  hacer lo que es correcto.

No se trata de un “Biopic”, ni siquiera de una película histórica, se trata de un ejercicio maduro de discernimiento de información, de secuencias y de mensajes, en conjunto, la historia más madura jamás contada de la esclavitud en América. Centrándose en un periodo de apenas 3 meses de la vida de Abraham Lincoln, Spielberg, (Que llevaba 12 años rondando el proyecto del más distinguido presidente de los estados unidos) nos ofrece un análisis ético lento y profundo acompañado de la soberbia interpretación de Day Lewis.

Utilizando el método Stanislavsky, y con un gran proceso de documentación y maquillaje, Day Lewis ofrece una interpretación soberbia a la que ya nos empieza a acostumbrar el resto de sus películas (“Pozos de Ambición” de Paul Thomas Anderson o “Mi pie izquierdo” de Jim Sheridan). Completan el reparto de una forma correcta Sally Field, Joshep Gordon Levitt y un soberbio Tommy Lee Jones que a pesar de aparecer  escasos minutos en la cinta transmite lo que pocos han conseguido.

Una fotografía inmaculada, unos ambientes cuidados hasta la extenuación y una banda sonora simple, poco efectista y que relaja en ritmo de la cinta. Spielberg demuestra que maneja magistralmente en el cine histórico tanto las secuencias de guerra (“Salvar al soldado Ryan”, “War Horse”) como las secuencias más tranquilas, que en esta película abundan y alcanzan su momento álgido en las cámaras del parlamento. Sin embargo, una película competente realizada y con buenas interpretaciones, se antoja fría y excesivamente patriótica. Sin duda, una temática tan imprescindible para un público americano no se antoja del mismo modo al resto del mundo, es cierto que el tema de la esclavitud es de interés general, pero el modo de abordarlo resulta incipientemente americano y hollywoodiense.

En conclusión, “Lincoln” resulta ser una gran película de reflexión ética llevada de una forma magistral para un público americano, no para un público internacional… aunque mi valoración no sea muy acertada y sin duda podría ser mayor, me decanto por un punto de vista más crítico.

Valoración: 7/10

EL VUELO

FLIGHT

Dirección: Robert Zemeckis

Intérpretes: Denzel Washington, Don Cheadle, Kelly Reilly, Bruce Greenwood, Darius Woods, Nadine Velazquez, Brian Gueraghty.

Sinopsis: Un piloto de vuelos comerciales, sufre una avería en su avión en mitad de vuelo, haciendo uso de su astucia, consigue aterrizar el avión y salvar a la práctica totalidad de los pasajeros. Días después, un proceso judicial se abre contra este piloto en relación a unos análisis de sangre que indican que había consumido alcohol durante el vuelo.

Robert Zemeckis vuelve a la gran pantalla con una película que al igual que su gran obra maestra “Forrest Gump” es un viaje al drama humano de un personaje incomprendido y con problemas. El polifacético Denzel Washington se encarga de dar vida al sujeto de este completo estudio cinematográfico de Zemeckis, que en esta ocasión hablara sobre el alcoholismo y sus consecuencias.

El soberbio actor se pone en las manos de un nuevo director después de haber pasado por las películas de Spike Lee, Tony Scot o Michael Fuqua.

El dilema que presenta Zemeckis se combina con la soberbia interpretación de Washington. De este modo la película conmueve pero también pone al espectador en un dilema del que difícilmente sacará algo claro. La película presenta un estilo depurado de grabación y montaje que nos deja la inolvidable secuencia del accidente en el avión. Se nos muestra un reducto de la sociedad de alto carácter dramático: la prostituta drogadicta, el enfermo de cáncer terminal, el abogado acostumbrado a trabajar para altas élites corruptas, el  evangelista radical, y finalmente, el alcohólico.

Cualquier persona que alguna vez se halla pasado con el alcohol se reconocerá en la brillante actuación del protagonista. Washington retoma sus interpretaciones más brillantes desde “Training Day” (de Michael Fuqua) o “American Gangster” (de Ridley Scott). Choca ver a Washington en un papel como este, ya que últimamente había acostumbrado a convertirse en el héroe americano del cine familiar propio de las películas del ya difunto Tony Scott, a pesar de que como ya hemos dicho, ha realizado sus mejores papeles haciendo de anti-héroe o directamente de mafioso. El resto de actuaciones completan el reparto de forma correcta y sin sobresaltos.

En conclusión, “El vuelo” resulta una película redonda, buenas interpretaciones, con momentos de tensión perfectamente llevados, algún que otro efecto especial competente y con un dilema moral de fondo que nos introduce a un drama humano de alto voltaje.

Valoración: 8/10

EL LADO BUENO DE LAS COSAS

SILVER LININGS PLAYBOOK

Dirección: David O. Russell

Intérpretes: Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert de Niro, Jackie Weaver, Chris Tucker, Anupham Kher.

Sinopsis: Pat sufre trastorno bipolar y ha estado ingresado en un centro especial los últimos seis meses. Una vez sale, va a vivir con sus padres, pues una orden de alejamiento le separa de su mujer. Pat decide ponerse en forma y recuperar su estabilidad mental para poder volver a estar con su mujer y en ese proceso conoce a una extraña chica llamada Tiffany.

David O. Russel se supera con esta nueva película que se presenta como la alternativa más independiente e indie en los nominados de los óscar. Cámara en movimiento, una ambientación sencilla y sin retoques fotográficos, en definitiva, una película que da toda la importancia a las interpretaciones de sus protagonistas, que son cada una más brillante que la anterior.

El bipolar Bradley Cooper, la loca bailarina que interpreta Jennifer Lawrence, el maniático y supersticioso Robert de Niro y la dulce y paternalista Jackie Weaver conforman el retablo de actuaciones más sobresaliente del año y de los últimos tiempos. Cargada de elementos cómicos que arrancaran la sonrisa más surrealista del espectador, la película nos ofrece una tragicomedia nada convencional con una magnifica selección de música.

Si pudiésemos definir la película con una sola palabra, esta sería, “iceberg”. Detrás de una apariencia sencilla a la que ya no estamos acostumbrados dadas las nuevas tecnologías, “El lado bueno de las cosas” esconde una profundidad digna de una obra maestra  y de la cual solo los espectadores más avispados se darán cuenta. El film en ocasiones nos podría recordar a la brillante “Pequeña Miss Sunshine” por el carácter extravagante y humano de sus personajes. En “El lado bueno de las cosas” cada personaje tiene su problema, y muchas veces la forma de superarlo no es mediante una épica historia de superación como Hollywood manda, sino simplemente juntándose con una persona tan rara como tú.

El film nos arrancará una sonrisa a la vez que nos llegará al alma. ¿Su punto fuerte? La revelación de dos jóvenes actores (Bradley Cooper: que siempre había sido considerado como actor de comedias sin importancia, y Jeniffer Lawrence: a la que habíamos visto en el fenómeno adolescente “Los juegos del hambre”).Y es que,  parafraseando al personaje de Robert de Niro: “Ante una oportunidad como esta es pecado no aprovecharla”

Valoración: 8/10

DJANGO DESENCADENADO

DJANGO UNCHAINED

Dirección: Quentin Trantino

Intérpretes: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leoardo DiCaprio, Samuel L. Jackson, Kerry Washington, Walton Goggins, Dohn Johnson, Jonah Hill, Quentin Tarantino.

Sinopsis: Una caravana de esclavos cruza el desierto, esta es asaltada por un extraño dentista que se hace llamar el doctor King Schultz (Waltz) , que va en busca de un esclavo llamado Django (Foxx) cuya esposa ha sido vendida a un rico traficante de esclavos llamado Calvin Candie (DiCaprio).

Tarantino, western, la mezcla explosiva, si bien las anteriores películas del director estaban plagadas de referencia al spaguetti western y al cine de Sergio Leone esta es la reinvención del género que encumbro la película “El bueno, el feo y el malo”. Tarantino continúa su estilo propio con las variaciones introducidas por “Malditos Bastardos” en una nueva película más seria, con tomas paisajísticas y que por primera vez trata un tema histórico, pero con peor guión.

Para esta ocasión, Tarantino ha fichado a Jamie Foxx, y vuelve a contar con el ya veterano en el cine tarantiniano Cristoph Waltz, que nos dejara una interpretación tal vez no tan memorable como su personaje nazi de “Malditos Bastardos” pero igual de magistral. Aunque si hablamos de veteranos en el cine tarantiniano, y aunque no recite versos de la biblia antes de matar, tenemos a Samuel L. Jackson en un desternillante papel. La novedad, Un Leonardo DiCaprio que demuestra una vez más que sabe elegir los proyectos como nadie (No olvidemos que ya ha trabajado con grandes directores como Scorsese, Nolan, Eastwood, Mendes, Scott…) y una Kerry Washington que podría elevarse a lo más alto gracias al filme, como ya hizo Tarantino con Pam Grier en “Jackie Brown”.

Una vez más, Tarantino mezcla las escenas de violencia propia de la serie B con el guión cómico a la par que mantiene una escena de tensión en la que el espectador tiene la sensación de que de un momento a otro todo va a desencadenarse en tragedia. Escenas como la de la cena en la mansión de Calvin Candie (Muy similar a la escena de la taberna en “Malditos Bastardos”) o la escena de los jinetes del Ku Kux Klan (Que nos ofrece el diálogo más desternillante de la película con un estilo próximo a los “Monthy Phytons”) son lo más destacable de la película.

Sin embargo, el guión de la película resulta ser muy inferior al de otras películas de Tarantino, y por primera vez, la película puede llegar a hacerse excesivamente larga. (En parte por las tomas paisajísticas, que abundan en número y duración). A pesar de eso, Tarantino no decepciona, y sigue fiel a su más puro estilo. Resulta tremendamente estimulante ver a un director que se permite cierto tipo de excentricidades en su película, como colocar el titulo “Missisipi” en todo el largo de la pantalla, o que realiza una aparición en pantalla para que el protagonista lo asesine.Puro Tarantino. Y recordad, la “D” es muda.

Valoración: 8/10

THE MASTER

THE MASTER

Dirección: Paul Thomas Anderson

Intérpretes: Joaquin Phoenix, Philiph Seymour Hoffman, Amy Adams, Ambyr Childers, Jesse Plemmons, Rami Malek.

Sinopsis: Una coincidencia reúne a un vagabundo errático (Phoenix) con un hombre que se hace llamar “El Maestro” (Seymour-Hoffman). Este hombre resulta ser el patriarca de una peculiar secta llamada cienciología. A medida que pasa el tiempo la secta se va ganando adeptos y las diferencias entre los dos protagonistas se acrecientan.

Paul Thomas Anderson vuelve a la gran pantalla con una película de intrigante profundidad y de soberbias interpretaciones. En esta ocasión, el tema elegido por el director no es otro que el de las sectas, y concretamente la Cienciología. Para este proyecto, cuenta con la interpretación del curtido Philiph Seymor Hoffman, (Actor veterano en el cine de Anderson) y del recientemente resucitado del olvido Joaquin Phoenix. Además, competa el reparto principal la soberbia Amy Adams.

Ya han pasado más de 15 años desde que Anderson estrenara “Boggie Nights” y hemos visto como el estilo del director ha ido evolucionando progresivamente al plano estático cuidado con los bordes difusos en contraposición con los movimientos de cámara propios de sus primeras peliculas. A pesar de la selección natural que ha sufrido el cine del director, esta última película resulta no dar la talla respecto a lo que se esperaba de ella. La película se presenta con un ritmo lento que llega a ser aburrido y el mensaje de la cinta solo se deja entrever en contadas ocasiones. La cinta no solo se hace aburrida, sino incomprensible, si bien el problema mental que sufre el protagonista ya es de por si complicado de interpretar,  los extraños ritos de la secta lo centrifugan y lo elevan a la categoría de indescifrable.

No por ello las interpretaciones no son de calidad, es más, si la película tiene algún punto fuerte son la interpretaciones, el renacer de un Joaquin Phoenix desaparecido en combate durante los últimos años ha sido aplaudida por la crítica y resulta ser lo mejor de la película. Completan el reparto de una forma magistral el resto de los actores.

Sin embargo, aparte de las interpretaciones la película no ofrece nada más interesante. Si alguien esperaba un final magistral que diese el contrapunto con el resto de la película como en “Pozos de Ambición”, que no se haga ilusiones, pues la película le dejara tan frío como los diálogos de la misma. En conclusión, “The Master” es un buen ejercicio de interpretación que en ocasiones nos recordara a la película de Kubrik “Eyes Wide Shut”, pero es una película que se hace tan incomprensible al espectador que saldremos del cine sin tener ni la más remota idea de lo que hemos visto, y lo peor es que ni siquiera lo intentaremos averiguar.

Valoración: 6/10

Añadir leyenda

LA NOCHE MÁS OSCURA

ZERO DARK THIRTY

Dirección: Kathryn Bigelow

Intérpretes: Jessica Chastain, Mark Strong, Jason Clarke, Reda Kateb, Kyle Chandler, Jennifer Ehle, James Gandolfini.

Sinopsis: Basada en la investigación periodística de Mark Boal, Narra la historia de Maya (Nombre ficticio que hace referencia a uno real) la investigadora de la CIA que impactada por los atentados del 11-S, buscó a Bin Laden hasta dar con él durante un periodo de 10 años.

Vuelve la tipa más dura de Hollywood, Kathryn Bigelow, la primera mujer en ganar el óscar a mejor dirección y la única que en su día supo plantarle cara a un conflicto como la guerra de Irak. Una vez más, retoma el género bélico de máxima actualidad realizado una película por la cual ha tenido que ir a los tribunales demandada por la CIA.

El formato documental se mezcla con el cinematográfico en esta película de alto contenido reivindicativo. Ya desde el principio, cuando la película comienza con la pantalla en negro y una grabación de sonido de las torres gemelas durante el atentado del 11-S, podemos deducir que Bigelow no va a dejar títere con cabeza. La cámara se mueve rápidamente en formato reducido para añadir realismo a las imágenes. Esa es la magia de la película, sabemos que lo que vemos es ficción, pero también sabemos que por cada imagen ficticia que vemos, hay una real que posiblemente sea todavía más macabra.

La película no solo ofrece realidad, Jessica Chastain, la mejor actriz que actualmente ronda por los estudios desde que Natalie Portman cogió la baja por maternidad, protagoniza la película. Su interpretación es realista, soberbia y conmovedora y muestra la faceta sentimental que hay detrás de cada rostro duro. Completan el reparto actores no muy conocidos, a excepción de (Mark Strong y James Gandolfini) todos ellos realizan un trabajo intachable.

El ritmo de la cinta esta llevado de una forma magistral, durante más de 2 horas, todo el proceso de investigación durante 10 años se hace entretenido y comprensible al espectador. Cuando finalmente en la última media hora de película, todo se dispone para la operación, los nervios aumentan y la gente se clava a los asientos. De un momento para otro, la película se convierte en una secuencia  de acción al más puro estilo “Call of Duy” de un realismo sobrecogedor. A pesar de que todo el mundo sabe cómo va a acabar la película, nadie respira en la sala.

A pesar de todas sus virtudes, el punto fuerte de la película es el mensaje. En medio de una gala de los óscar en la que gran parte de las película más premiadas son películas que tratan de la historia de los Estados Unidos en tono de oda, (“Argo”, “Lincoln”), “La Noche más oscura” es la chica mala de la lista, la única que se atreve a decir las cosas sin edulcorantes y sin rodeos, fiel al estilo de su directora. Esto es América...¿Y ahora qué?

Valoración: 9/10

LOS MISERABLES

LES MISERABLES

Dirección: Tom Hooper

Intérpretes: Hugh Jackman, Anne Hathaway, Russel Crowe, Amanda Seyfried, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Eddie Redmayne, Aaron Tveit, Samantha Barks, Daniel Huttlestone.

Sinopsis: Adaptación de la novela de Victor Hugo y del musical de Broadway, narra la historia de Jean Valjean, un ex convicto que se ve obligado a adoptar a una niña, Cossette, cuya madre ha muerto por su culpa, Perseguido por Javert, el policía que le encerró, Valjean vivirá en conflicto de las barricadas de Paris en la revolución de 1830.

Se trata de un proyecto complejo, adaptar un musical a la gran pantalla contando como protagonistas con actores y actrices de cine, no de musical. El resultado no es del todo apocalíptico, pero lo roza. Cualquier persona que haya podido contemplar el musical de “Los miserables” y haya tenido una mínima nociones de canto podrá darme la razón. Un Hugh Jackman que llega bien a los bajos, pero del cual mejor no hablar de los agudos. Una Amanda Seyfried que canta con un tono irritante y temblón. Un Eddie Redmayne que sufre un trastorno bipolar, cuando canta agudos con tonalidad pop, y cuando va a los bajos con tonalidad de ópera. Y por supuesto un Russel Crowe que aprendió a cantar en 3 meses y cuyo tono nasal llega a resultar molesto en ocasiones. Lo mejor sin duda, Anne Hathaway, la mejor voz de la película que nos ofrece el tema más emotivo de la misma “I dreamed a dream” Este último papel de la actriz ha servido para catapultarla definitivamente hacia la fama, mostrando una  actriz polifacética que lo mismo puede hacer una comedia romántica, cantar un musical o embutirse en el traje de cuero de Catwoman y repartir leches entre los malos. Aparte de el número de Hathaway, los dúos de Jackman y Crowe y los cantos que emanan de las gargantas de todos los miembros del reparto en las barricadas son lo más destacable de la película.

La película ha emocionado al público, y con razón, la novela de Victor Hugo es brillante. El público ha disfrutado con la música, naturalmente, el musical está considerado uno de los mejores de la historia junto a “El fantasma de la ópera”. Sin embargo, no podemos decir que estos factores hayan dependido del director, Tom Hooper, alabado hasta a ex tenuidad por la academia. La historia ya estaba inventada y a música también, lo único que ha aportado esta versión ha sido las actuaciones y la grabación. Como ya hemos comentado anteriormente, en un musical, la actuación se mide por la calidad de la voz del actor, y no podemos decir que haya sido una interpretación muy brillante en comparación con el musical. Nos encontramos con la situación de que los extras (Sacados directamente de Broadway) cantan mejor que los propios protagonistas. Samantha Barks (En el papel de Eponìne) da mil vueltas a Amanda Seydried. Y por otro lado el modo de grabación de la cinta es caótico, la cámara está continuamente dando vueltas alrededor de los personajes y no para quieta.

No obstante, hay que saber premiar el valor de esta cinta, ya que hacía muchos años que no presenciábamos un musical en gran pantalla. Tom Hooper ha arriesgado metiéndose en un proyecto complicado hasta la extenuación. A pesar de que el resultado de esta cinta, este lejos de la calidad del filme por el que ganó el óscar (La soberbia “El Discurso del Rey”), “Los Miserables” pone en alza un género olvidado y decadente. Si Hooper decide hacer más musicales, sin duda será una gran noticia.

Valoración: 7/10

EL HOBBIT: UN VIAJE INESPERADO

THE HOBBIT: AN UNEXPECTED JOURNEY

Dirección: Peter Jackson

Intérpretes: Martin Freeman, Ian Mckellen, Richard Armitage, Christopher Lee, Hugo Weaving, Cate Blanchet, Ian Holm, Elijah Wood, Andy Serkins, Silvester McKoy.

Sinopsis: 60 años antes de los sucesos acaecidos en la trilogía de “El señor de los anillos”, Bilbo Bolsón es invitado a por el mago Gandalf a una aventura. A pesar de que Bilbo no acepta, a la noche siguiente 13 enanos se presentan en su casa y a la mañana siguiente parten hacia Erebor, una antigua fortaleza enana que años atrás fue arrebatada a los enanos por un terrible dragón llamado Smaug.

Sin duda “El Hobbit” era una de las películas más esperadas del año.  La nueva trilogía de Peter Jackson volviendo al universo Tolkien ha sido seguida día a día por medio de sus video-blogs por millones de fans. Utilizando por primera vez en la historia una tecnología de la imagen hasta entonces desconocida: (grabación a 48 fotogramas por segundo y una resolución de imagen 4 veces superior a la normal) “El Hobbit” es una película impresionante a nivel de fotografía e imagen.

Un reparto que mezcla las actuaciones ya conocidas de la anterior trilogía (Mckellen, Weaving, Blanchet, Holm y Wood) con las de 13 enanos y el pequeño hobbit Bilbo Bolsón. (Martin Freeman conocido por la serie “Sherlock”) Si hay una actuación que resalta de entre los 13 enanos, es la del jefe de la compañía, el rol de Thorin “escudo de roble” interpretado por Richard Armitage, que consigue transmitirnos ese sentimiento de nobleza y compañerismo que en la anterior trilogía nos transmitió Viggo Mortensen.

A la hora de ver “El Hobbit” tenemos que tener en cuenta que no estamos viendo otra entrega de “El Señor de los Anillos”. Esta entrega fue basada en el correspondiente libro, y no hay que olvidar que el libro que escribió Tolkien era eminentemente infantil (pues no hay que olvidar que fue escrito por Tolkien para sus hijos) Por lo tanto nos sorprenderá ver a los protagonistas enfrentándose a enemigos eminentemente más simples y caricaturizados. A pesar de la nueva dinámica del libro, Peter Jackson ha decidido cambiarla ligeramente (Una adaptación al pie de la letra nos llevaría a tal nivel de puerilidad que lo dejaría a la altura de la saga “Las Crónicas de Narnia”). Los intentos del director por ofrecer una versión más madura y seria no siempre resultan positivos. Mientras pasajes como el de los trolls, o el mismo comienzo del libro a modo de prólogo (tal y como hizo en su anterior trilogía) resultan creíbles, otros momentos como el final en la montaña de los Trasgos resulta ser lo peor de la película.

Hay exceso de ordenador por todos lados. Mientras en la anterior trilogía se ofrecían increíbles escenas generales por ordenador y después los primeros planos se ofrecían en carne y hueso con un brillante maquillaje, en esta nueva película el ordenador ha invadido la pantalla. La fotografía sigue siendo absolutamente magistral, y una vez más, Jackson consigue retratar como nunca Nueva Zelanda y sus increíbles parajes.

Sin duda, lo mejor del film (y del libro en mi opinión) es la aparición de Gollum. En medio de una trama más simple y sencilla, Gollum es el contrapunto de profundidad, drama psicológico y de soberbia interpretación de Andy Serkins.

En definitiva, Jackson no defrauda, todos sabíamos que no podría superar a “El Señor de los Anillos” y que poner la película a la misma altura era complicado y a pesar de ello “El Hobbit” es entretenida y esta competentemente hecha. Huelga decir que la adaptación era mil veces más complicada. Esperemos a las dos próximas partes.

Valoración: 8/10