LA VIDA DE PI

LIFE OF PI

Dirección: Ang Lee

Intérpretes: Shuraj Sharma, Irffman Khan, Tabu, Rafe Spall, Gerard Depardieu, Addil Hussain,

Sinopsis: Un escritor en horas bajas y con una profunda crisis de fe vista a un hombre indio que le narra toda su vida y en especial un suceso que le ocurrió en su adolescencia. Naufragó y estuvo casi un año en una balsa junto a un tigre de Bengala al que llamaba Richard Parker.

Ang Lee vuelve al cine con una nueva película que huele a oscar, si no lo consigue por lo menos parece que lo ha hecho con ese objetivo. Una historia de superación con grandes efectos especiales y una buena dosis lacrimógena, una película para emocionar al espectador con chimpancés de por medio. Siguiendo la doctrina del oscar seguro, la ambientación en la India (No hay que olvidar que tanto “Gahndi” como “Slumdog Millionare” estaban ambientadas ahí), “La vida de Pi” presenta a unos actores prácticamente desconocidos. El trabajo es bueno, en especial el del protagonista, el joven Shuraj Sharma, que sorprende gratamente y conmueve a través de su vivencia.

Lo más sorprendente de la película son efectos especiales, y si, digo efectos especiales y no fotografía, pues toda la película ha sido retocada por ordenador. La escena del naufragio, las noches en la balsa o la ingente cantidad de animales generados por ordenador que ofrece la película están al nivel de otras grandes del género (“Avatar” o la saga “Transformers”).

Sin embargo, la película falla a la hora de ponerse profunda. Dejándose llevar por la espectacularidad, la película muchas veces es incomprensible, e incluso ridícula. Lo que en la novela parece algo profundo y de alto voltaje espiritual en la película no pega, y el espectador se pregunta constantemente por qué extraña razón el protagonista hace todas esas cosas absurdas.

La película puede recordarnos a “Amelie” de Jean-Pierre Jeunet (por su carácter de historia estrambótica, dulce, inocente aunque auténtica) y a “Naufrago” de Robert Zemeckis (por la naturaleza de la historia). No obstante esta extraña mezcla no convence y como resultado queda una extraña tragicomedia con tintes de “Forrest Gump” que incluso llega a aburrir en pantalla. No obstante no por ello deja de ser una película competente en los efectos especiales y de buenas interpretaciones. Un "Jumanji" espiritual.

Valoración: 6/10

SINISTER

SINISTER

Dirección: Scott Derrickson

Intérpretes: Ethan Hawke, Juliet Rylance, Fred Dalton Thompson, James Ransone, Michael Hall D’Addario, Clarey Foley.

Sinopsis: Un escritor en horas bajas se traslada con su familia a una casa donde se ha cometido un asesinato buscando la inspiración necesaria para escribir una nueva novela de éxito. Una vez allí, el escritor encuentra en el desván una caja llena de cintas super 8 que muestran el asesinato de diferentes familias en un periodo de 50 años. El escritor comenzará a temer por su vida cuando encuentre escondido entre las películas a un extraño ser que parece estar detrás de todos los crímenes y que parece que se pasea de noche por su casa.

Resulta imposible no pensar en la terrorífica “Insidious” del japonés James Wan a la hora de ver esta película que nos demuestra una vez más que hay cine de terror más allá del género de serie B, y además de gran calidad. Demostrando una vez más que lo cotidiano es lo que más nos aterra, el director Scot Derrickson da su primer paso en la buena dirección después de una carrera cinematográfica que no nos había dado más que disgustos (“El exorcismo de Emily Rose”, “Ultimátum a la tierra”) y nos presenta un estilo más maduro que nos indica que el género de terror es el suyo.

La historia se nos presenta con un esquema similar al estilo del ya mencionado James Wan, no dejar respirar al espectador en ningún momento. Por medio de el susto repentino (no tan acusado como en “Insidious”), la atmosfera oscura en penumbra con siempre una zona ambigua que nos sugiere nuestras peores pesadillas, y la presencia de un ente paranormal que se va mostrando fragmentariamente, el film consigue de sobras su objetivo. Si pasamos por encima la concepción de que la actuación en el género de terror es mostrarse inseguro, chillar como un loco y realizar actos temerarios sin razón aparente, las actuaciones están conseguidas. Incluso podemos disfrutar de una discusión familiar en la que el protagonista (Ethan Hawke) nos recuerda que es un actor polifacético y de gran calidad. (Acertada elección la de conseguir a un actor de renombre para el film, factor que no tuvo en cuenta James Wan).

A pesar de que la película no puede evitar caer en algunos de los más manidos clichés del cine de terror (El niño diabólico o la casa maldita) la historia en si no resulta repetitiva y la trama que se nos presenta esta elaborada y no descubrimos toda la verdad hasta el final. Si algo esta conseguido en la película es el antagonista, el demonio come-niños, Bagul, se nos muestra poco a poco en las diferentes cintas de super 8 y cuando finalmente este ente se nos muestra en la vida real, en carne y hueso, su efecto es devastador para la seguridad del espectador. Parece increíble como un individuo de rostro blanquecino con pelo largo, sombras en los ojos, pixelado  y asomando entre unos arbustos pueda causar tal efecto en la película.

De este modo, “Sinister” se condecora como la mejor película de terror de 2012, (por no decir la única aceptable). Esperemos que dada la escasa aceptación que ha tenido en taquilla (al fin y al cabo el género de terror no deja de ser minoritario), a ningún productor de pocos escrúpulos se le ocurra hacer una segunda parte. Intenten no ver “bagules” por todos lados después del visionado del film. A mi pronto me tendrán que pagar un psicólogo...

Valoración: 8/10

SKYFALL

SKYFALL

Dirección: Sam Mendes

Interpretes: Daniel Craig, Javier Bardem, Judi Dench, Naomi Harris, Berenice Marlohe, Ralph Fiennes, Albert Finney, Ola Rapace, Helen McRory, Ben Wishaw, Rory Kinnear.

Sinposis: En una misión en Estambul, al agente 007 se le da por muerto al caer por un puente desde un tren en marcha tras pelear contra un asesino a sueldo. Meses más tarde, El M16 se ve amenazado por un individuo llamado Silva (Javier Bardem), y Bond (que no ha muerto) decide volver para parar al malvado, no obstante, 007 no sabe hasta qué punto este nuevo villano pondrá en jaque a su jefa, M (Judi dench).

Cumpliendo el 50 aniversario del agente secreto más famoso del mundo, Daniel Craig repite por tercera vez en el papel del agente 007 bajo la dirección de Sam Mendes (“American Beauty”, “Jarhead”, “Camino a la perdición”).  Volviendo a las novelas de Ian Fleming, Mendes da un nuevo giro y un nuevo enfoque a la saga bondiana y nos presenta un film profundo, con excelentes actuaciones sin por ello tener que renunciar a las escenas de acción más espectaculares. Podríamos comparar este nuevo giro con el Batman de Nolan, hasta tal punto que en ocasiones la película nos recuerda a esta trilogía y el malo (Bardem) no deja de evocarnos un poco al “Joker” de Heath Ledger.

Por medio del uso del plano simétrico, los ambientes cuidados hasta la extenuación, y una banda sonora efectista que alcanza su momento álgido cundo entona la melodía del agente compuesta por John Barry y cuando se torna electrónica en las escenas de Shanghái, es una vuelta al Bond clásico desde un punto de vista moderno. ¿El resultado? Una recombinación que de haber caído en otras manos podría haber sido un desastre, afortunadamente Mendes y Craig estaban ahí. También es una vuelta a los personajes más famosos de la serie, Q, es interpretado por Ben Wishaw en un nuevo enfoque que nos muestra un MI6 moderno que no se anda con tonterías, como el propio Q dice en la película: “Ya no nos andamos con esas chorradas de bolígrafos  explosivos”. Las chicas Bond hacen una tímida aparición y Naomie Harris y Berenice Marlohe se reparten los pocos minutos que les han sido concedidos, pero seamos sinceros, si mostrásemos una docena de chicas paseándose por ahí en bikini y con una pistola guardada en el muslo sería imposible tomar la película en serio.

Sn embargo, el punto fuerte de la película son sus personajes. Mendes ha dotado a Bond de una historia, y de unas debilidades. No tanto en la línea de “Casino Royale” o “Quantum of Solace” en la que veíamos  Bond sufrir a nivel físico, sino a nivel moral y personal, el Bond de Mendes tiene dudas, no sabe en quien confiar, sabe que es un asesino y bebe mucho. Las relaciones del personaje han alcanzado su punto álgido con su jefa, el personaje de Judi Dench. Mendes decidió no dar todo el protagonismo a Bond y dárselo más a su jefa, creando una relación digna de cualquier drama sobresaliente. Y aún así, no es lo mejor de la película, no es por españolizar, pero la verdadera razón por la que “Skyfall” se ha convertido en la mejor película de Bond de los últimos años  tiene nombre: Javier Bardem. El actor vuelve a brindarnos una soberbia actuación y presenta a un malvado de la saga Bond pasado de tuercas. Es un malo por el que sentimos empatía, conocemos sus motivaciones, aunque no sabemos cómo va a actuar, su sola presencia nos pone incómodos en nuestros asientos y lo más importante, el malo de Bardem no es sino en lo que podía convertirse Bond, lo cual añade tensión e inseguridad a la trama.

“Skyfall” se puede resumir con Craig y Bardem enfrentados en un curioso juego de manos. La expectativas no defraudan (Excepto para aquellos fans que desearían volver a ver Roger Moore en el espacio o para aquellos que esperaban de “Skyfall” la vorágine secuencia de tiros sin sentido que  fue”Quantum of Solace”) y ponen de manifiesto que a pesar de los 50 años de saga bondiana solo Craig ha sabido elevar el nivel que hace 5 décadas Connery colocó en o más alto cuando de un forma seductora a la par que amenazadora decía: “Bond, James Bond”.

Valoración: 9/10

LO IMPOSIBLE

LO IMPOSIBLE

Dirección: Juan Antonio Bayona

Intérpretes: Ewan McGregor, Naomi Watts, Geraldine Chaplin, Tom Holland, Samuel Joslin, Oaklee Pendergast, Johan Sundberg.

Sinopsis: Basada en una historia real, “Lo imposible” narra la historia de una familia Americana que  sufre en 2004 las consecuencias del tsunami. La familia, después de la gran ola,  dividida, intentara buscar a los miembros restantes de la misma a la par que luchan por su propia supervivencia en un ambiente de inundaciones, hospitales masificados y de algunas personas solidarias que les ayudarán en su búsqueda.

Juan Antonio Bayona revienta las taquillas convirtiendo su película en la más taquillera del año y en la película española más taquillera de la historia. Manejando un reparto internacional de alto voltaje mediático (McGregor y Watts) y un excelente reparto infantil (El joven Tom Holland se convierte en la actuación revelación de la película), Bayona nos sumerge en una historia triste, humana y profundamente emotiva. Grabada íntegramente en territorio español, el filme comienza con unas impresionantes escenas del tsunami haciendo gala de unos efectos especiales dignos de cualquier estudio de Hollywood (Como ya habíamos visto en la competente pero aburrida “Más allá de la vida”, de Clint Eastwood). El director de “El Orfanato” (película con la cual se estreno en la gran pantalla) nos demuestra que no encasillándose y abriéndose a un panorama cinematográfico internacional, una producción española no tiene que contar obligatoriamente con escenas de sexo explícito (que ya sabemos lo que nos gusta aquí) o con tradicionalismos pasados de tuerca propios del cine de Almodóvar.

Sin embargo, la película falla en su planteamiento convirtiendo una historia de supervivencia y de recomposición de una familia en una historia lacrimógena de lágrima fácil y de moco colgante. En el momento en el que los personajes repiten por enésima vez todo lo que se quieren rodeados de muerte, suciedad y sus lágrimas caen a chorros, el espectador debe plantearse si la película le ofrece algo más que no sea simplemente drama que no tiene otro objetivo que remover sus entrañas de la forma más fácil posible. El director además se permite sus excentricidades y al igual que en “El Orfanato”, Geraldine Chaplin aparece haciendo su papel secundario poniendo su usual cara de preocupación paternalista y susurrando cosas que no sabemos si llegan a tener relación con la propia historia, pero vende oiga, y no ha sido el único director que ha usado a la actriz con el mismo propósito (Joe Johnston, “El Hombre Lobo”).

Si la película falla en algo como ya he dicho es en su planteamiento, El filme acaba y cualquier espectador que haya intentado seguir el planteamiento de la misma se queda de piedra y se da cuenta que ha visto  un montón de personas (concretamente a un familia) pasarlas putas (y permítanme la expresión) en un lugar exótico, y si encima los protagonistas son cotizados actores de Hollywood y aparecen cuatro críos para que las adolescentes puedan exclamar en la sala: ¡Que monos! Y las madres se estremezcan al ponerse en el lugar de la guapa Naomi Watts, tenemos un éxito de taquilla seguro, viva el cine español.

Valoración: 6/10

EL LADRÓN DE PALABRAS

THE WORDS

Dirección: Brian Klugman, Lee Sternthal Intérpretes: Bradley Cooper, Jeremy Irons, Zoe Saldana, Dennis Quaid, Olivia Wilde, Ben Barnes, Nora Arnezeder, Sinopsis: Rory Jansen es un escritor joven y entusiasta, vive con su novia y aspira a crear una novela con la que darse a conocer y con la que ganar dinero para mantener a su novia y formar una familia. No obstante, Jansen no consigue escribir nada de calidad hasta que durante su luna de miel en Paris descubre un antiguo manuscrito dentro de una antigua cartera que ha comprado. Ese manuscrito le ofrece una novela brillante que el escritor decidirá transcribir y publicar como propia.

A manos de una dirección casi desconocida, y un reparto de jóvenes y famosos actores que se enfrentan a sus actuaciones más profundas, “El ladrón de palabras” se presenta como una película de reflexión, dialogo,  dilemas morales y de como la mentira puede acabar destrozando nuestra vida. Partiendo desde la presentación de 3 realidades separadas en el tiempo, la película va contándonos la historia que estos tres momentos conforman. Una Europa de postguerra, nuestro tiempo actual y un futuro no muy lejano, son los escenarios de la formación y desenlace de una historia que habla de un libro robado. Profundamente trágica, la película nos muestra a un Bradley Cooper (Famoso por películas de poco caché como “Resacón en las Vegas” o “El equipo A”) y a su novia, Zoe Saldana (La mujer que estaba detrás del bicho azul de “Avatar”) en sendas interpretaciones de alto carácter depresivo, ambas bordadas. Un atormentado Dennis Quaid, una seductora e intrigante Olivia Wilde, un decrepito Jeremy Irons y un frenético y pasional Ben Barnes completan el reparto. El robo de ideas es el centro de la trama de esta película. Lo más destacable de la misma, a parte de las soberbias interpretaciones,  es el modo en el que las tres historias se van conformando y como se constituyen como un puzle (sin por ello ser excesivamente complicada). El ritmo esta soberbiamente conseguido, y las bolsas temporales que se nos muestran aparecen justo cuando se las necesita. Si la película tiene alguna pega, es el carácter inverosímil de la misma, la decisiones que los personajes toman no tienen sentido en algunos momentos y esto se nota en pantalla, pues a pesar de que las interpretaciones son soberbias parece que los actores no acaban de creérselas. A pesar de eso, “El ladrón de palabras” resulta una película sobresaliente, muy emotiva y trágica y con una estructura temporal singular y muy bien conseguida. Valoración: 7/10

MÁTALOS SUAVEMENTE

KILLLING THEM SOFTLY

Dirección: Andrew Dominik

Intérpretes: Brad Pitt, Sam Shepard, James Gandolfini, Scoot Mcnairy, Ray Liotta, Richard Jenkins, Ben Mendelshon.

Sinópsis: En plena crisis económica, dos matones de poca monta (Mcnairy y Mendelshon) atracan una timba de póker de la mafia. Ante este acto de desprecio, la Mafia contrata a Jackie Cogan (Brad Pitt) para que asesine a esos dos individuos, sin embargo, el proceso se complica cuando el dueño de la timba robada y un antiguo amigo de Jackie se meten de por medio.

Andrew Dominik vuelve a sorprender con su nueva película desde se magistral "El asesinato de Jesse James a manos del cobarde Bob Ford". Para esta tarea vuelve a contar con Brad Pitt, formando una pareja que esperamos que siga funcionando en el futuro. El director nos sumerge en una historia de mafias, de violencia exacerbada, de personajes psicológicamente inestables pero ante todo, la historia de una crisis económica y de las falsas esperanzas políticas.

Dominik decía en una entrevista: "El cine es drama, y la expresión más exacta del drama es la violencia" y ciertamente es algo que el director tiene muy interiorizado, pues las escenas de violencia explicita son abundantes  y grotescas. Realmente el director no quiere alejar la cámara de estos pasajes, de modo que en ningún momento intentara idealizar o suavizar a los personajes. La película nos mostrara desde los dos matones de poca monta que se han quedado sin trabajo a causa de la crisis (Mcnairy y Mendelsohn) hasta el magnate empresario que desde su coche ve la realidad desdibujada y se siente el amo del cotarro (Jenkins). Y en medio de estos personajes, nos encontramos al matón alcohólico que dedica gran parte de su vida a arrepentirse de lo que hizo en el pasado (Gandolfini , conocido por la serie "Los Soprano" en una interpretación soberbia) y por último al matón sin escrúpulos que le gusta matar "suavemente" (Pitt en una interpretación que nos recuerda a el papel de Ryan Gosling en la magistral "Drive" de Nicholas Winding Refn, 2011).

De este modo "Mátalos Suavemente" nos deja escenas inolvidables, por su despiadado realismo y por su profundidad. En ocasiones nos muestra un humor negro que nos arranca una pequeña sonrisa, y sus diálogos nos recuerdan al cine de los hermanos Coen o de Tarantino. Pero lo más interesante es la estructura que esta desarrolla en su corta duración (poco más de hora y media), La película nos muestra la pobreza, la adaptación a la misma y la falta de escrúpulos que produce este proceso de adaptación y paralelamente nos va mostrando discursos del actual presidente de los Estados Unidos de América, Barack Obama hablando de la unidad del pueblo americano, de su capacidad de salir adelante y de su condición de pueblo. Finalmente, la película acabará apoteósicamente cuando Pitt, una vez haya acabado el trabajo vaya a cobrar la recompensa, y su contratador le dé menos dinero de lo acordado justificándose diciendo que son tiempos difíciles y todos debemos ajustarnos. En este momento el director nos soltará el mensaje que ha estado escondiéndose durante toda la película y Pitt responderá al magnate a la vez que escucha uno de los discursos de Obama:

"Yo nunca he creído que América fuese una nación o un pueblo, la realidad es que América es y siempre ha sido un negocio...así que...¡Paga hijo de puta!"

Brad Pitt se consagra (Si no lo ha hecho ya) como uno de los mejores actores de nuestros tiempos capaz de combinar actuaciones místicas y espirituales ("El árbol de la vida" de Terrence Malick) con papeles despiadados ("Malditos Bastardos" de Quentin Tarantino) y en resumen, todo lo que se le ponga con delante. Scoot Mcnairy nos brinda una conmovedora actuación que nos recuerda a la de Casey Afleck en su papel de Bob Ford en la anterior película del director. Y finalmente, Dominik no defrauda y nos brinda un film a la altura de su magistral "Asesinato de Jesse James".

Valoración:  9/10

LOOPER

LOOPER

Dirección: Rian Johnson

Intérpretes: Joshep Gordon-Levitt, Bruce Willis, Emily Blunt, Paul Dano, Noah Segan, Piper Perabo, Jeff Daniels, Pierce Gagnon.

Sinopsis: En un futuro próximo, los viajes en el tiempo no han sido inventados, pero no obstante más adelante si que lo estarán. Es entonces cuando organizaciones criminales utilizaran este experimento para deshacerse de personas del futuro y enviarlas al pasado para que unas personas determinadas, los “loopers” se deshagan de ellos. El protagonista (Gordon-Levitt) es uno de estos individuos que un día es requerido para deshacerse de una persona venida del futuro, esa persona resulta ser el mismo.

Después de la magistral “Origen” del maestro Cristopher Nolan en el 2010 y de la decadente “In Time” protagonizada por Justin Timberlake en 2011, la película de ralladuras de cabeza y de realidades paralelas de este año era “Looper”. Con una dirección casi novel, un protagonista de moda desde su aparición de nuevo en “Origen” y la tercera y sublime entrega de batman “The Dark Kight Rises” (Gordon-Levitt), un actor veterano en el campo de la acción y la ciencia ficción (Willis) y una polifacética e imprevisible Emily Blunt la película aparentemente tiene buena pinta. El argumento de la cinta es brillante a la par que enrevesado y sigue la línea de otros filmes que hablan de viajes en el tiempo como las sagas “Terminator” o “Regreso al futuro” si bien este nuevo film le añade dramatismo, seriedad y ante todo una visión más macabra de las repercusiones de tal fenómeno.

Sin embargo, a pesar de la sublime idea y de su plasmación en el celuloide, de su dirección novedosa con impresionantes movimientos de cámara, la cinta se queda fría y presenta a unos personajes sin historia que lejos de sufrir su realidad como el personaje de Dicaprio en la cinta de Nolan se limitan a aceptar los hechos con naturalidad y a pegar un par de tiros (un par, o doscientos mil) y ya de paso soltar un comentario inteligente. Joshep Gordon-Levitt carece de alma y no resulta un protagonista convincente. Willis, que ya tenía experiencia en cintas de viajes en el tiempo (“12 monos”) realiza una actuación tipo, pues a pesar de que ha demostrado varias veces que realiza actuaciones competentes en películas no violentas (El sexto sentido), parece que los directores no pueden evitar colgarle una metralleta en las manos y ponerle a unas cuantas docenas de extras para que los liquide, vamos que solo le falta un “yipi kai-yei motherfucker” a lo más John Mclane en “La jungla de Cristal”. Paul Dano hace una actuación corta y convincente que nos demuestra que el actor de “Pequeña Miss Sunshine” no ha perdido fuelle. Sin duda, la mejor actuación de la cinta es la femenina, Emily Blunt realiza una actuación más que aceptable e incluso emotiva de madre de un niño incomprendido, y aumenta en caché de una actriz que ha sabido mezclar en su agenda los taquillazos mediáticos con las películas menos conocidas y que exploran sus actuaciones más complicadas.

De este modo, “Looper” resulta en conjunto más insatisfactoria que otra cosa, a pesar de que se pueden salvar varios elementos de la misma. Esperemos que la próxima vez que una historia de semejante calidad pase por los despachos de producción de Hollywood no caiga en manos de un patán que incluya tranquilamente en la película una escena de sexo insinuado (pues ya se sabe que el público va a lo que va) que podría haber sido suprimida de la película sin problemas pues no tenía nada que ver con la trama en sí. O que pueda resistir la tentación de meter a Bruce Willis en medio de un tiroteo (del que por supuesto saldrá ileso).

Valoración: 6/10

SALVAJES

SAVAGES

Dirección: Oliver Stone

Intérpretes: Blake Lively, Taylor Kitch, Aaron Johnson, Benicio del Toro, Salma Hayek, John Travolta.

Sinopsis: Dos traficantes de droga de Laguna Beach (Kitch y Johnson) reciben una oferta de un cártel de la droga mexicano para anexionar sus negocios, estos se niegan y el cártel dirigido por una mujer que se hace llamar “La Madrina” (Salma Hayek) envía a uno de sus matones (Del Toro) para raptar a la amiga y novia de ambos (Lively), los dos amigos pondrán en marcha un plan para rescatar a la chica cautiva.

Desde que el polémico director estadounidense Oliver Stone protagonizó la portada de la revista “Time” con una fotografía en la que aparecía el mismo fumándose un porro de cannabis a la vez que durante la entrevista criticaba a Obama echándole en cara que todavía no había legalizado la marihuana no se dejo de hablar del proyecto de su próxima película que precisamente trataría el tema de la legalización de dicha sustancia y el comercio mexicano de la misma en los cárteles de la droga. De modo que podemos afirmar que las expectativas eran altas, y más tratándose del director de películas como “Platoon” o “Nacido el cuatro de Julio”. No obstante, no sabemos si ha sido el porro el que ha atontado a Stone o simplemente es que ha dado un patinazo, pero su nueva película que combina un reparto de actores jóvenes y otros curtidos ya en la empresa resulta ser el peor paso de Stone en años.

Por medio de un lenguaje cinematográfico cargado de violencia gratuita, escenas de sexo abusivamente explicitas y de tiroteos constantes, Stone nos introduce chapuceramente en el mundo de los cárteles mexicanos. Si bien las actuaciones de los actores veteranos (Del Toro, Hayek y Travolta) resultan creíbles y convincentes, las actuaciones de los actores de nueva hornada (Lively, Kitsch y Johnson en menor medida) resultan cansinas y vacías de todo tipo de interés y el trío amoroso de estos actores en pantalla no funciona. A pesar de que todos ellos ya había protagonizado alguna película (Lively estaba recién salida de la serie “Gossip Girl”, Kitsch había protagonizado la nefasta “Battleship” y Johnson había protagonizado la brillante y desternillante “Kick-Ass”) parece que el personaje se les queda grande y no aportan nada nuevo.

Pero sin duda alguna lo que más sorprende a la par que decepciona de “Salvajes” es el nuevo enfoque que le ha dado Oliver Stone. El director americano, siempre había sido famoso por realizar películas comprometidas de denuncia social y que trataban temas importantes de la historia de Estados Unidos. Criticó en su tiempo la guerra de Vietnam con películas como las ya mencionadas “Platoon” y “Nacido el cuatro de Julio”, narro de forma épica el atentado del 11-S con “World Trade Center” y trastocó el concepto de película con su perturbadora “Asesinos Natos”. No obstante, en esta ocasión Stone borda el tema de los cárteles de la droga de manera superficial, centrándose en la acción y no en la denuncia de estos organismos creando así otra película más de mafias y de acción con un ideal cutre y poco definido. Sinceramente, no esperaba que Stone cayese tan bajo.

Valoración:  4/10

COSMOPOLIS

COSMOPOLIS

Dirección: David Cronenberg

Intérpretes: Robert Pattinson, Paul Giamatti, Juliete Binoche, Mathieu Almaric, Sarah Gordon, Kevin Durand.

Sinopsis: En medio de una revuelta social en  Nueva York, un joven multimillonario (Pattinson) decide ir hasta la otra punta de la ciudad para que un barbero concreto le haga un corte de pelo. Durante su camino, el magnate se refugiara en su moderna y excéntrica limusina e irá recibiendo en ella a todo tipo de personas, desde médicos hasta prostitutas, desde expertos y jóvenes economistas hasta intelectuales amigas vaticinadoras de la debacle económica.

 “La rata se convertirá en moneda de cambio” con esta cita del autor Zbigniew Herbert, Don de Lillo comenzaba su novela “Cosmopois”, así mismo Cronenberg comienza su adaptación a la novela, una adaptación que dados los tiempos que corren no podía estar mejor elegida. Para esta tarea, ha contado con la joven estrella Robert Pattinson, el famoso vampiro de la saga “Crepúsculo” que una vez que ha acabado la misma se ha lanzado a una inmensidad de proyectos que puedan convertirle en algo más que un icono adolescente. De ese modo, el cineasta se lanzaba a adaptar una novela que cuenta con un porcentaje altísimo de dialogo neto, y en eso se ha convertido básicamente su película, en un dialogo.

Cronenberg aborda los diálogos de la novela con un simple plano contra plano en todas las ocasiones (que no son pocas) y nos propone un discurso excesivamente complejo y difícil de seguir. Nos encontramos ante un mal uso del ritmo cinematográfico. Si bien en la novela de De Lillo ya hay ocasiones en las que puedes estar leyendo una página y ya llegando al final te das cuenta que la densidad de información y reflexiones te ha dejado en blanco y no te has enterado de nada, la película no hace sino acrecentar este fenómeno. Dada la imposibilidad de pedir al proyeccionista que pare la cinta y rebobine para poder repetir ese diálogo del que no te has enterado de nada, la película no consigue transmitir todos los mensajes que propone a novela y se antoja como demasiado compleja.

Las interpretaciones son dispares, mientras los actores veteranos (Giamatti, Binoche y Amaric) realizan actuaciones convincentes (destacando la de Giamatti) los actores jóvenes (Sarah Gordon y Kevin Durand) no dan la talla y no muestran bien ese carácter propio de las películas de Cronenberg. Además, dada la importante acotación de espacio que presenta la película (la mayoría de ella tiene lugar en una limusina) el espacio que el reparto tiene para desarrollar sus habilidades interpretativas está restringida. Sin embargo, y esto es un dato positivo, la película nos deja algo claro, y es que Pattinson (A diferencia de su compañera de reparto en la saga crepúsculo: Kristen Stewart) es algo más que un icono adolescente y que en el futuro nos brindará interpretaciones interesantes. Siempre y cuando sepa meterse en proyectos interesantes.

De este modo, Cronenberg se aleja de el estilo que marco sus películas en la última década (“Una historia de violencia”, “Promesas del este” y “Un método peligroso”) siendo la primera mencionada claramente la mas transgresora, y vuelve  su estilo propio de los 80’ y los 90’ en la que la cinta se muestra plagada de elementos inconexos, extravagantes y muy comúnmente profundamente desagradables. Es una vuelta al estilo más incomprendido del director canadiense propio de sus más icónicos films (“Videodrome”, “Existenz”, "El almuerzo desnudo” o “La mosca” son ejemplo de ello). El cambio no es del todo positivo y se echa de menos el estilo de la última década en el que para que una película de Cronenberg fuese aceptable no hacía falta que una estrella adolescente se pegase un tiro en la mano sin razón aparente.

Cronenberg vuelve a las andadas, por desgracia.

Valoración: 5/10

A ROMA CON AMOR

TO ROME WITH LOVE

Dirección:  Woody Allen

Intérpretes: Alec Baldwin, Jesse Eisenberg, Ellen Page, Roberto Benigni, Woody Allen,  Flavio Parenti, Penélope Cruz, Alison Pill, Alessandro Tiberi, Fabio Armiliato, Judy Davis.

Sinopsis: Cuatro historias independientes con un escenario común: La ciudad de Roma. En la primera un matrimonio americano (Woody Allen y Judy Davis) viaja a Italia para conocer a la familia del prometido de su hija. En la segunda, un italiano (Roberto Benigni) es confundido con una estrella de cine. En la tercera, un arquitecto californiano (Alec Baldwin) visita Roma con unos amigos, y en la cuarta, unos recién casados se  pierden en la capital italiana.

En cierta ocasión, a Woddy Allen, el genio de Manhattan, se le pregunto acerca de como conseguía realizar una película al año teniendo en cuenta su avanzada edad, el director respondió que no entendía a los directores que hacían una película cada dos años y que él era capaz de rodar varias a la vez en uno solo.

No es de extrañar pues, que siguiendo esta filosofía, Woody Allen agote sus ideas en un tiempo record. La película se presenta como una más de la nueva corriente de Allen distinguida por su nueva ambientación en territorio europeo y por su recargamiento de estrella propias del país en el que rueda. Parece que desde que Allen salió de su territorio (Manhattan) ya no ha vuelto a ser el mismo. El film nos muestra diferentes clichés del cine de Allen, tales como los juegos cinematográficos (personajes que hablan a la cámara o apariciones que solo el protagonista puede ver) que es el principal objetivo del papel de Baldwin en la película. Historias de enamorados que se en revesan de forma ridícula y por supuesto el papel de tipo neurótico y maniático que una vez más interpreta Allen en su propio film. No obstante, aunque la película consigue entretener al espectador, no se trata sino de una copia de otra copia de otra copia, que es al fin y al cabo en lo que se ha convertido el cine de Allen últimamente.

Las interpretaciones dejan mucho que desear (en especial la de Penélope Cruz) aunque sí que nos dejan una aceptable con la de Roberto Benigni ("La vida es Bella").

Nos encontramos sin duda alguna de nuevo ante el caso de un director monotemático, que aprovecha el filón de sus películas, pues sabe que van a triunfar (y así lo ha hecho esta última en taquilla) que lejos de intentar algo nuevo o de intentar reinventarse, solo plasma en celuloide los mismos personajes, con la misma trama con los mimos diálogos sistemáticamente en diferentes lugares geográficos. De este modo, asistimos de nuevo a la decadencia del director (lejos quedan obras maestras como "Annie Hall", "Manhattan" y "Hanna y sus hermanas") y aunque sí es cierto que podemos salvar algunas películas de este nuevo periodo (las más destacables de la última década son sin duda alguna "Match Point" y "Midnight in Paris") Esta última no se encuentra a su altura ni mucho menos y se presenta como una película de puro divertimento y de claro afán comercial de explotación del espectador.

Valoración: 6/10

"Let the game begins" Bane, "The Dark Knight Rises"

Doy comienzo a este blog, con el objetivo de que los desaforados zagales, antes de ir al cine o de descargarse una película, tengan la sensatez de leerse una crítica proveniente de una mente no "chapada a la antigua" pero que no obstante mantiene sus distancias. ¡Que lo disfrutéis!

Si os gusta esto del cine, como primera recomendación os propongo una lista de directores cuya filmografía encontrareis interesante a mi parecer:
-David Fincher
-Stanley Kubrik
-Martin Scorsese
-Quentin Tarantino
-Alfred Hichcock
-Los Hermanos Cohen
-Christopher Nolan
-Nicolas Winding Refn
-Sergio Leone
-Darren Aronofsky
-Andrew Dominik
-Sam Mendes