ANT-MAN

Dirección: Peyton Reed

Reparto: Paul Rudd, Michael Douglas, Corey Stoll, Evangeline Lilly, Michael Peña, Bobby Cannavale, Judy Greer, Anthonie Mackie.

Imagínense a un niño mimado el día de navidad. Un niño acostumbrado a obtener todo lo que pide en cuantiosas cantidades con tan solo chasquear los dedos. Ese niño acaba el día rodeado de caros y lujosos juguetes. Juguetes con los que ha jugado una sola vez y que inmediatamente ha dejado en el rincón. La cantidad y la ausencia de un tiempo de espera provoca a la larga una devaluación del producto, no solo por la repetición, sino por el valor que se le puede llegar a dar a nivel de entretenimiento y la inevitable saturación consecuente. De este modo, el niño mimado acaba dejando de lado todos esos caros cachivaches y termina aplastando papel de burbujas del embalaje del regalo, un entretenimiento simple pero que nunca muere.

Ahora imaginemos que ese niño mimado es el público de las películas de superheroes, y que esos padres mimados se llaman Marvel y DC, y que esas curiosas vacaciones de navidad ya llevan durando unos cuantos años. Y ahora imaginemos la carta de los reyes magos del susodicho niño (siguiendo con el símil) Pues eso: Vengadores, Iron Man y toda esa panda de cachas embutidos en licra que se toman muy enserio eso de salvar al mundo. Pero al final del día, ¿Con que se lo pasa realmente bien el niño? Pues con lo simple, lo gracioso y lo no pretenciosos, ese papel de burbujas que el año pasado se materializo con la divertida “Guardianes de la Galaxia” y que este año tiene su replica con “Ant-man” es decir, películas que Marvel que no se toman en serio ni a si mismas, pero que mira por donde, acaban entreteniendo mucho más que todas esas macroproducciones donde salvar el mundo (Y la taquilla) es un asunto de vida o muerte.

Se trata de una nueva fórmula que inevitablemente divide la gran factoría de superheroes en 2 corrientes contrapuestas. Por un lado, el capi M'urica reventando pechos y frunciendo el ceño, y por otro lado a Star Lord bailando al estilo ochentero contra las fuerzas del mal. ¿Con cual nos quedamos? Una cosa está clara, si nos queremos poner serios, oscuros y psicológicos, DC lleva una gran ventaja. Lo que le deja a Marvel una única salida, ir evolucionando progresivamente a un nuevo género de comedia ligera donde la risa pueda más que la acción y los efectos visuales.

“Ant-Man” resulta ser una agradable pionera de este segundo grupo emergente. Una película que si bien sigue teniendo sus buenas dosis de drama heroico y guión abochornante, sabe jugar con sus puntos de humor y sabe contar una historia de manera dinámica, ligera y divertida. No es casualidad que la cinta esté protagonizada por Paul Rudd, que hasta el momento solo había hecho apariciones en comedias románticas de poca monta o en la serie Friends. Del mismo modo que Marvel en su día ya captó a Robert Redford, en esta ocasión la veteranía vienen de mano de Michael Douglas, que tiene un rol sorprendentemente relevante en la película a pesar de que no está para muchos trotes. Corey Stoll, después de pasar por series como “House of Cards” o “The Strain” hace de villano al estilo clásico, con malvadas carcajadas, discursitos y frases que pasarán a la historia como “Tu sola existencia me irrita” y cosas por el estilo, todo un show.

Así que en definitiva podemos decir que “Ant-Man” hace a la par de película de superheroes como de comedia ligera, y añade pequeños gags a la imaginería del superheroe que hacen que toda esa abochornante fase 2 de Marvel sea un guiso más fácilmente digerible. ¿Cuanto de esto llegará a la Fase 3? No sabría decir. Lo que si que me atrevo a aventurar es que de aquí a unos años el público estará mas que harto de ver tanto superheroe suelto, y que entonces las formulas clásicas de generar tensión ya no surtirán los mismos efectos que antes. Que cuando los vengadores tengan que salvar el mundo por decimoquinta vez ya no será lo mismo que la primera vez que se pusieron manos a la obra, y entonces ¿Que quedará? Pues películas como “Guardianes de la Galaxia” o “Ant-Man”. Películas que parten de la base de que intentar dar toques épicos a una trama como la suya y con personajes como los suyos es algo absurdo, pretenciosos y que cansa. Si se parte de una historia sin sentido alguno ¿Porque no abrazar ese sinsentido y pasárselo bien?

Nota: 5/10

DEL REVÉS (INSIDE OUT)

Dirección: Pete Docter, Ronaldo del Carmen

Reparto: (Voces) Amy Poheler, Phylis Smith, Richar Kind, Bill Halder, Lewis Black, Mindy Kaling, Kaitlyn Dias, Diane Lane, Kyle MacLachlan.

Nunca he sido especialmente devoto de Pixar, “Buscando a Nemo” y “Cars” siempre me parecieron películas bastante flojas y la segunda mitad de “Wall-e” me pareció una completa basura. Además, gusto de recordar a los forofos que “Cars 2” y “Brave” siempre serán manchas imborrables en la filmografía de esta curiosa compañía. No obstante, hubo películas de Pixar que si me llegaron a la patata, esa fascinante “Bichos” o esa trepidante “Los Increibles” de Brad Bird. Aunque siempre reserve el título de joyas de la Corona a esas magistrales “Toy Story” (Aunque decreciendo en cada una de sus entregas) y la que posiblemente sea mi película favorita de Pixar: “Monstruos S.A.”

Detrás de estos últimos títulos, se encuentra la figura del personaje más brillante de la compañía y del mundo de la animación en los últimos años con el permiso de Hayao Miyazaki: Pete Docter, que acaba de dirigir la mejor película de Pixar de todos los tiempos. Con un corto más bien aburrido, da la bienvenida esta magistral “Inside Out” una película con la que Pixar ha llevado al extremo su filosofía de que una película de animación incipientemente orientada a un público infantil no tiene porque cerrar las puertas a un publico mayor sino que puede aprovechar la experiencia de este grupo que acompaña a los peques al cine para hacer un producto audiovisual redondo, sin fisuras, educativo, exquisitamente divertido, emotivo y profundo a nivel humano.

¿Y funciona esa política de no cerrar las puertas a ninguna audiencia? Vaya que si funciona, “Inside Out” nos demuestra constantemente a lo largo de su escasa hora y media de duración que los peques no son tan ingenuos como parecen y pueden lidiar con conceptos mentales, abstractos y de inteligencia emocional. Y por la otra vertiente nos recuerda que nadie es lo suficientemente mayor y aburrido como para no reírse con una buena payasada o como para no conmoverse con algo trivial e infantil. Los padres se convertirán en niños y los hijos recibirán la lección de su vida, y si la próxima vez que haya un conflicto son capaces de imaginarse a esos simpáticos muñecos en su cabeza guiando su acción, la película habrá hecho su trabajo.

Y es que además de educativa la película no podría ser más divertida, haciendo hincapié en todas esas ideas que nos alborotan la cabeza pero nunca expresamos, “Inside Out” consigue ser una comedia sobresaliente en la que fácilmente nos reiremos como auténticos críos. Ya sea con el desternillante gag del “Triple Dental”, con los borradores de recuerdos aspirando los 4 años de lecciones de piano, con el recuerdo recurrente del piloto brasileño o con esas sublimes escenas de créditos con las que puedo asegurar me reí como hacia tiempo que no me reía en una sala de cine.

Ambivalencia de públicos y un gran sentido del humor, pero ¿Cuales son el resto de claves de esta obra maestra? En primer lugar su profundidad, su capacidad de presentar conceptos complejos con un lenguaje accesible y liviano. En segundo lugar su rigurosidad científica. Como el mismo Docter afirmó, la película fue asesorada por un grupo de psicólogos y expertos del lenguaje emocional, lo que hace que las acciones de los simpáticos muñecos tengan una significación especial tremendamente acertada y coherente. En tercer lugar, sus continuos giros entre comedia y drama. Una forma voraz de despistar al espectador que si baja la guardia lo mismo reirá a carcajadas como llorara a moco tendido con determinadas escenas. Y en cuarto y último lugar pero no menos importante, esa fuerza subyacente que rodea a la película que le hace al espectador plantearse cuales son sus “islas de la personalidad”, reunir los valores familiares y apostar por un mensaje positivo de cara al mundo usando la complejidad del conjunto de todas sus facetas emocionales.

“Inside Out” es en definitiva, una joya del cine de animación y una joya del séptimo arte. Una película recomendable para ir a ver en cualquier circunstancia y en compañía de cualquiera. Una película tan redonda, amable y profunda que es imposible no salir del cine esbozando una sonrisa. Una película que recomendarás y que pondrás una y otra vez a tus familiares de menor edad con la excusa de poder volverla a ver una y otra vez. Un verdadero tesoro para la vista, la mejor película de Pixar de todos los tiempos y un hito en el cine de animación que será recordado durante décadas. Un recuerdo de hora y media que adquirirá un intenso color amarillo y será almacenado en nuestra central para repetirlo una y otra vez durante mucho tiempo.

Nota: 10/10

TERMINATOR GENESIS

Dirección: Alan Taylor

Reparto: Arnold Schwarzenegger, Emilia Clarke, Jason Clarke, Jai Courtney, J.K. Simmons, Matt Smith.

Es de todos bien sabido, que la diferencia cualitativa entre un buen actor y uno mediocre no solo reside en la calidad de su actuación, sino también en la intención del mismo de poder tocar varios registros y no limitarse a uno dentro de su zona de confort. Esta intención de experimentar, dota al actor de un abanico más amplio de películas en las que poder trabajar y al final acaba salvándole de un futuro aciago. Por eso no es de extrañar que a sus 68 años, Arnold siga haciendo el mismo tipo de películas que hacia en los 70, lo que le lleva inevitablemente a un desgaste físico y a la dura y absoluta realidad de que la salud no es eterna y que lo que no se puede mostrar con actores, se mostrara con efectos visuales.

“Terminator Genesis” es una secuela cogida por pinzas, donde prácticamente todo lo que vemos carece de sentido alguno, desde las actuaciones y los diálogos de los personajes hasta la intrincada, ambigua e indescifrable trama. Uno se imagina a los guionistas de la película con el encargo de escribir una entrega más de la saga Terminator en su habitación, mordiendo la punta de sus lápices y mirándose unos entre otros diciendo “Ya está todo escrito, no hay más”. Y el típico dirigente mandamás apareciendo por la sala y soltando algo del estilo “Me importa tres cojones que no tenga sentido, inventaros alguna mierda” Y de ese modo uno se planta en la sala, intenta comprender algo de lo que le están contando y se encuentra con Arnold soltándole un monologo sobre viajes en el tiempo, fracturas cuánticas y realidades paralelas. Un fregao muy poco apetecible, carente de sentido y el mínimo rigor científico y del que el espectador acabará pasando y diciendo, bueno oye, por lo menos habrá tiros porque no entiendo nada de lo que me están contando.

Aunque lo verdaderamente criminal de la película es su planteamiento. Al margen de los viajes en el tiempo, los monosílabos de Arnold y todas esas míticas frases (Sayonara Baby, Volveré), la esencia de la saga Terminator siempre había sido una, las situaciones en las que el robot venido del futuro se encontraba con personas del mundo real, una escenas que rozaban por igual los términos de escalofriante e hilarante. Así podíamos ver a un sueco de 2 metros y 150 kilos entra en un bar de carretera de la América profunda, o dar una paliza a unos punks en un mirador de L.A. En “Terminator Genesis” se pierde completamente esa interacción con los personajes reales, además de que lo que en anteriores entregas era una persecución en la que realmente lo pasabas mal por los protagonistas, ahora se reduce a una pelea mastodóntica con demasiados efectos especiales.

Y de este modo llegamos a la pregunta troncal de esta cuestión: ¿Que les parecerá “Terminator Genesis” a los fans de la saga Terminator? Si hacemos un repaso rápido por las anteriores entregas nos damos cuenta que las carencias que se le achacan a la nueva entrega vienen de mucho antes. Esa perdida de la esencia ochentera que ya vimos en “Terminator Salvation” y ese desgaste de la idea que ya vimos en “Terminator 3” y en mayor medida en “Las crónicas de Sarah Connor”. Puede que esta nueva entrega guste a los fans dados sus continuos guiños y porque nunca está de más ver a las viejas glorias desempolvarse los zapatos y repartir un par de leches. Pero algo está muy claro, y es que “Terminator Genesis” es una película insultantemente mala, En idea, ejecución y resultado.

¿Podemos culpar a Arnie de tal batacazo? Por supuesto que no, en medio de esta brutal industria del remake y las segundas, terceras y cuartas partes divididas en dos entregas, la saga Terminator resulta el menor de los males. Pero como no, una vez más nos hace reflexionar sobre donde esta la fina linea que separa en una producción el ámbito artístico del ámbito estrictamente comercial. Y que nos viene a decir en definitiva, que algunos caballos de carreras ya han corrido demasiado y deberían tomarse un descanso para no acabar rendidos en el terreno de juego. Que muchas veces merece la pena dejar al caballo en paz, dejando de ganar algunos dolares, con tal de no verle humillado, abucheado y sin decencia, a los pies de una marea de gente que lo critica sin piedad por no ser el de antes.

Nota: 2/10

TOP 10 (ENERO-JUNIO 2015)

Ya llevamos mitad de año,y repasamos los 10 mejores títulos que hemos podido ver en cartelera durante estos intensos 6 meses. ¿Cómo variará la lista a finales de año?

10- EX-MACHINA

Dirección: Alex Garland

En el décimo lugar, no podemos olvidar el gran salto de Alex Garland a la dirección con su oscura, intrigante y futurista Ex Machina, una gran interpretación de Alicia Vikader y en definitiva una película que bien podría ser un capítulo especial de la serie “Black Mirror” Un gran ejemplo de buena ciencia ficción donde no todo gira alrededor de los efectos visuales.

9-MAPS TO THE STARS

Dirección: David Cronemberg

Después de recuperarse del varapalo de “Cosmopólis” Cronemberg ha vuelto a sacar su artillería pesada, un enfoque de ver Hollywood de una manera única con un guión fantástico. De nuevo en una de sus atmósferas malrollistas sin necesitar viscerillas de por medio para añadirle efectismo. Un estilo evolucionado que añade un matiz mucho más interesante a su estilo y que supone otro muy interesante trabajo de cooperación entre en canadiense y Robert Pattinson.

8-IT FOLLOWS

Dirección: David Robert Mitchell

La promesa de que otro cine de terror es posible se consolidó con esta película que en mi modesta opinión ha marcado un antes y un después en el género de terror. El gran descubrimiento de Maika Monroe y ese simplismo en el susto con el que Mitchell consigue transmitir el terror de una hace que “It Follows” se encuentre en esta lista.

7-LOST RIVER

Dirección: Ryan Gosling

A pesar de que fue vilipendiada a lo largo de todo el globo, es indiscutible que visualmente y como ejercicio de estilo la película de Gosling tiene un valor tremendo. ¿Sera este película el punto de eclosión de Gosling? ¿Dejará de interpretar a guapetes de hollywood para dedicarse a la dirección? Desde luego, ha demostrado que tiene un talento innegable, me pregunto cuanto habrá influido Nicholas Winding Refn en ello…

6-MANDARINAS

Dirección:Zaza Urushadze

Como ya se sabe, normalmente la candidatura de mejor película de habla no inglesa en los Oscar acaba recopilando grandes títulos. A pesar de que no quedo ganadora ni partía como favorita, esta película estonia mostraba un enfoque sobre la guerra cargado de sentimientos muy profundos sin hacer del sensiblerismo barato el estandarte de presentación. Una película verdaderamente preciosa a nivel humano.

5-MAD MAX: FURY ROAD

Dirección: George Miller

La película más impactante e impresionante desde 300 de Zach Snyder, una persecución de más de 2 horas que no pierde ritmo en ningún momento. El renacer de George Miller como ese nuevo genio visionario azuzador del cine de acción. Una propuesta visual arriesgada que se soluciono mediante efectos prácticos tradicionales. La vuelta a los viejos trucos se agradece y uno solo puede postrarse ante la locura de alto octanaje al ritmo de guitarras eléctricas venidas del mismo infierno.

4-EL AÑO MÁS VIOLENTO

Dirección: JC Chandor

Una película de mafias que pillara al espectador por sorpresa al mostrarse reticente en mostrarle esa visión sesgada y repleta de tópicos en la que se ha convertido el mafioso americano. Isaacs y Chastain marcandose unas interpretaciones cargadas de detalles tan desapercibidos como troncales para entender no solo el mensaje, sino el concepto en si de la película. La mejor película de Chandor hasta la fecha y la promesa de que un acercamiento más humano y completo se puede realizar hacia ese tipo sospechoso que te hará una oferta que no podrás rechazar.

3-BIRDMAN

Dirección: Alejandro González Iñarritu

Por primer vez en años, la gala de los 2015 no estuvo del todo mal, la academia supo premiar a una película que realmente será recordada por su arriesgado estilo visual basado en el plano secuencia, su demencial y milagroso trabajo de fotografía a manos de Lubezkiz, el verdadero genio detrás de esta cinta, y un trabajo de actuación coral como no se veía en años. Birdman es una obra maestra única hasta la fecha, y dio gusto ver como se llevaba la estatuilla a casa.

2-NIGHTCRAWLER

Dirección: Dan Gilroy

Ignorada completamente por la academia, esta obra maestra mostró de una manera absolutamente contundente a un soberbio Jake Gyllenall representando a toda una generación de jóvenes emprendedores hechos a si mismo cazando en ese inestable coto vedado que es la información televisiva. Una película que debería convertirse en obligatoria para cualquier estudiante de ciencias de la información pero también para cualquier espectador que ignore los oscuros y manipulados entresijos que se esconden detrás de cada noticia o acontecimiento.

1-WHIPLASH

Dirección: Damien Chazelle

Y en cabeza en el ranking, esta frenética, magistral opera prima de Chazelle. Una película que nos enseña que no solo importa lo que muestras, sino cuando lo muestras, a que velocidad lo muestras y que tipo de relaciones rítmicas y temporales estableces entre los planos. Como si de un complejo teorema se tratase, Chazelle dispone los planos y lo sosnidos de su película tejiendo una complicada red que atrapa al espectador y lo hipnotiza a golpe de batería. Milles Tellers se consagra como promesa y el cine independiente y la sangre joven dan una buena lección a todo ese sector aposentado.

JURASSIC WORLD

Dirección: Colin Trevorrow

Reparto: Chris Pratt, Bryce Dallas-Howard, Vincent D'Onofrio, Ty Shimpkins, Nich Robinson, Irrfan Kahn,  Jake Johnson, Omar Sy, BD Wong, Judy Greer, Brian Tee.

"Ahora los quieren más grandes" esta es la premisa bajo la cual en esta nueva entrega de parque jurásico los ingenieros genéticos construyen al bicho que una vez más volverá el parque temático en un infierno jurásico. Pero también es la premisa bajo la cual se mueve la industria de Hollywood que ha realizado la película hasta el punto de que las intenciones de los personajes no dejan de ser una justificación perfecta para dar rienda suelta a los sueños humedos de los productores de la película. Todo ha salido a pedir de Milhouse.

¿Qué quiere decir esto exactamente? Pus básicamente que se preparen para ver la entrega más impresionante, más apoteósica y más destructiva de toda la saga de parque jurásico. Una película tan bien hecha que tiene todos los números de convertirse en el blockbuster definitivo del verano. Los números ya empiezan a amontonarse en taquilla, y podemos hablar ya de "Jurasic World" como una digna predecesora de la saga original, con más dinosaurios, más aventuras, nuevos personajes y un equipo que se ha pasado por el forro de los huevos todos los principios que conformaron a "Parque Jurásico" como la leyenda que hoy en día conocemos. Aunque todo hay que decirlo, la jugada no les ha salido nada mal.

Tampoco seamos alarmistas, después de "El mundo perdido" y "Parque jurásico III", "Jurasic World" devuelve la fe a los seguidores de la saga, aunque para algunos, como es el caso de servidor, no es suficiente. El espíritu de la película se ha desdibujado, toda la tensión e incluso los pequeños esbozos de terror familiar que presento la película original se han cambiado por peleas mastodónticas, dinosaurios con sentimientos y diálogos tontos que versan sobre tensiones sexuales no resueltas. Chris Pratt coge el difícil relevo de Sam Neill, el carismático e inolvidable doctor Alan Grant como macho alfa y presenta un protagonista bien distinto, un cazador motorista que se vende como el padrazo perfecto. Pratt cae simpático, y una vez más da los motivos más que suficientes para convertirse en la estrella que cualquier blockbuster querría tener, incluyendo Indiana Jones (Que Dios me oiga)

Y aunque Pratt funciona bien, su compañera femenina, esa menospreciada Bruce Dallas-Howard le siga correctamente y en definitiva la película maneje muy bien la tensión y la acción, nos deja una serie de escenas que si bien se difuminan con explosiones y persecuciones, cuando uno se pone a pensar un poco en ellas después de ver la película no tienen mucho sentido. Como esos velocirraptores con sentimientos que casi parecen personas que se cascan una escena a lo "Diario de Noah", o todas esas escenas de acción innecesarias que acaban por aburrir un poquito, como la pela final o la escena de el accidente del helicóptero.

De modo que si en la primera entrega uno estaba pasándolo realmente mal y deseando que los protas saliesen de una puñetera vez de la isla. Y solo respiraba cuando nuestro doctor Alan Grant ya estaba en el helicóptero mirando los pterodáctilo mientras sonaba el precioso tema de John Williams, ahora más bien se quedará disfrutando de la masacre para ver si sacan a un dinosaurio todavía más grande y que de paso eche fuego por la boca, o misiles o a Jimmy Fallon en un cachondo vídeo promocional.

Un cambio de enfoque que a más de uno, entre los que me incluyo, le ha dejado frio. Resulta impresionante ver el parque de una maldita vez (Que ya era hora) en funcionamiento, pero casi que uno echa de menos que le den algún que otro susto y se lo hagan pasar un poco mal. Pero Jurasic World funciona bien a nivel de blockbuster, y resulta ideal para ir a verla en familia. Para aquellos que recuerden con dulzura el visionado de las primeras entregas en su tierna infancia, les espera una regresión que alcanzará su clímax cuando Michael Guiachinno versiona el tema original de Williams. Una vuelta a la infancia que nos hace pensar si es que la peli ya no asusta, o si hace tiempo que le perdimos el miedo a los dinosaurios.

Nota: 5/10

IT FOLLOWS

Dirección: David Robert Mitchell

Reparto: Maika Monroe, Olivia Lucardi, Lili Seppe, Jake Weary, Keir Gilchrist, Daniel Zovatto.

¿Cuál es la fórmula definitiva para dar miedo? El cine de terror lleva haciéndose años esta pregunta, variando sus sistema y probando nuevos métodos con tal de arrancarle al público un grito de terror. El género se ha provisto de toda una serie de herramientas para conseguir su objetivo, ya sean las viscerillas en los 80 o los monstruos fantasmagóricos en la actualidad. Crear una atmósfera de terror dentro de una película resulta sin duda alguna uno de los ejercicios mas complejos y delicados que se pueden realizar, donde un mínimo fallo en la iluminación, en el dialogo o en el ritmo de la película puede mandar a paseo el trabajo de muchos profesionales y acabar provocando una risotada en vez de un buen susto.

El público evoluciona, y lo que antes daba miedo ahora ya no lo da. El cine de terror se ha estado echando capas y capas de supercherías efectistas con tal de seguir manteniendo el legado, intentando seguir provocando las mismas sensaciones que sus predecesoras. Y cuando uno se topa con "It Follows", entiende que al terror todavía le quedan muchos terrenos que explorar y que en muchas ocasiones, "más" no es indicador de "mejor".

"It Follows" es una película independiente, que juega con un presupuesto ajustado, motivo por el cual, el director David Robert Mitchell no pudo reparar en una cuidada iluminación, ni en prótesis y maquillaje grotesco. Mitchell fue a lo esencial, y buscando esa esencia del cine de terror, esa espina dorsal que se encuentra en el fondo de todo el organismo, y ha conseguido crear una de las joyas del cine de terror de todos los tiempos.

La película consigue transmitir una sensación de agobio y terror haciendo uso de los elementos mas esenciales que uno pueda imaginar. Hasta el punto de que el director llega a conformar uno de los sustos más potentes de la película con 2 simples elementos, una adolescente en ropa interior y una pelota de goma. ¿Cómo demonios lo consigue? ¿Cómo consigue con esos dos simples elementos provocar una sensación similar a la de cuando vemos un monstruo en una película de terror convencional? Mitchell maneja a la perfección el ritmo narrativo, y busca elementos que incomoden al espectador para que nunca baje la guardia.

Y consigue todo eso sin hacer uso de una iluminación especializada, sin malrollismos rebuscados ni clichés del género. Mitchell consigue que se te pongan los pelos de punta simplemente al ver avanzar a una abuela a paso lento en dirección a la protagonista. Una proeza matemáticamente calculada que ataca a tu instinto de supervivencia primario. Y además suculentamente grabada, con planos que bien podrían ser instantáneas de un reputado fotógrafo, nada mal para ser una película independiente con tan ínfimo presupuesto.

Increíble descubrimiento el de la joven actriz Maika Monroe, que presenta muchas aptitudes para conseguirse en una de las grandes actrices en el futuro, siguiendo los pasos de Saorise Ronan o Mia Wasikowska. Monroe ofrece una interpretación clásica del cine de terror, pero con algunos toque distintivos que la hacen más creíble y correcta. El resto del reparto adolescente actúa de manera adecuada y huye un poco del cliché de adolescente americano, lo cual se agradece. La banda sonora de "Disasterpiece" utiliza el sintetizador y el sonido alienígena propio de los clásicos del género para forzar un aura retraída pero a la vez muy actualizada.

En definitiva, "It folllows" resulta ser una muy competente película de terror además de ser la película más revolucionaria del género de los últimos años posiblemente desde "El proyecto de la bruja de Blair" Una película que sin duda los directores del género tendrán que tener en cuenta para sus proyectos futuros. Y es que en el cine de terror, a veces lo más horrible no se encuentra en la oscuridad.

Nota: 7/10

INSIDIOUS: CAPÍTULO 3

Dirección: Leigh Whannel

Reparto: Dermont Mulroney, Stefanie Scott, Lin Shaye, Angus Sampson, Leigh Whannel, Hayley Kiyoko.

Hay varios tipos de películas de terror. Están las de insinuar y crear malrollismo a fuego lento, están las de viscerillas, están las de atmósferas agobiantes. Y luego están las hijas de puta, aquellas cuyo único objetivo es hacértelo pasar mal de verdad, dándote sustos cuando estás desprevenido y petándote el tímpano con efectos de sonido. "Insidious: Capítulo 3" no iba a defraudar a los espectadores de sus predecesoras, y se mantienen en este último grupo.

James Wan se desvincula del proyecto dado que finalmente se ha asentado en el género de acción tras dirigir "Furious 7" y tener como proyecto pendiente "Aquaman" con DC comics. No obstante, realiza un cameo en la película, y deja el testigo al verdadero genio que surge tras la figura del director de Malasia: Leigh Whannel. Pocos lo saben, pero este polifacético individuo escribió las tres primeras entregas de la saga "Saw", toda la saga "Insidious" y "Silencio desde el Mal" es decir, todas las grandes películas de Wan. ¡Ah! y aún se permitió actuar en ellas, ¿Recuerdan el individuo que aparecía con el pie encadenado en Saw? ¿Y uno de los detectores de fantasmas en Insidious? Si, era él.

Así que con el tipo correcto sentado en la silla de dirección, arranca a ritmo de violín diabólico esta tercera parte, que no ha sufrido el desgaste causado por las dos anteriores y se erige como una entrega muy superior al segundo capítulo y de calidad similar o superior  al primero. Una vez más, haciendo uso del lenguaje narrativo de terror que ya es canon en nuestra década,  visionado fragmentado del bicho de turno (Que en esta ocasión es una especie de momia cabrona con problemas respiratorios), composición de imágenes con una zona en sombra sospechosa siempre que se puede, efectismo puro y duro y sustos que siempre vienen de la zona de la pantalla que menos te esperas.

La banda sonora de Joshep Bishara (Colaborador habitual de Wan no solo en el apartado musical, sino que también dio vida al demoniete del primer capítulo) vuelve a cumplir su función en la cinta de una forma inigualable. De modo que aunque lo único que te muestren en la pantalla sea el título de la película con letras góticas, la música se encarga de que te cagues vivo como es debido. Destaca el apartado de fotografía, que una vez más consigue crear ese mundo fantasmagórico tan bien conseguido y el apartado de edición, donde se nota que han controlado el ritmo y los tiempos para densificar y maximizar el impacto del susto, porque ya saben lo que dicen: Lo importante no es lo que muestran, sino como lo muestran y cuando lo muestran.

Pero como siempre en el género de terror, lo que importa es solo una cosa ¿Da realmente miedo? La respuesta es un contundente sí. Da mucho miedo, tal vez un tipo de miedo muy fácil de construir. Donde el director se limita a sobresaltar al espectador con un ritmo de narración irregular, donde no se llega a crear una atmosfera consistente pero que te hace bajar la guardia una y otra vez y te vuelve e sorprender cambiando continuamente de patrón. Un estilo que quizás para mi gusto deje un poco que desear, en favor de películas que por el contrario si supieron conformar esa atmósfera, ejemplos recientes son "Así en la Tierra como en el Infierno" de John Erick Dowdle, o la que para mí es la mejor película de terror de los últimos diez años: "Sinister" de Scott Derrickson.

Pero Insidious 3 da miedo, da verdadero miedo y en  el cine se pasa mal. Y que hoy en día una película de miedo pueda llegar a causar verdadero terror a un público que está pasado de vueltas de todo, que se ríe con "El Exorcista" y se aburre con "La Profecía", tiene un valor inigualable. Leigh Whannel se descubre como un director con talento y se consagra como uno de los creadores de películas de terror más influyentes e importantes del siglo XXI, ya sea escribiendo o dirigiendo. Para los que vayáis a ir a verla solo puedo daros un consejo, no bajéis la guardia en ningún momento, y llevaros al cine una mantita anti-monstruos, que siempre funcionan.

Nota: 6/10

TOMORROWLAND: EL MUNDO DEL MAÑANA

Dirección: Brad Bird

Reparto: George Clooney, Hugh Laurie, Britt Roberson, Raffey Cassidy, Tim McGrawn, Kathryn Hahn, Thomas Robinson, Pierce Gagnon.

Se empiezan a intuir las primeras consecuencias directas del monopolio Disney. Ese conglomerado cerrado y presurizado al vacio donde se hacen películas sin ningún tipo de contacto con el mundo exterior. Si hace unos años ya veíamos  JJ.Abrams emular a Steven Spielberg en "Super 8", por fin nos damos cuenta que aparte de JJ, las dos figuras claves para conservar ese clasicismo narrativo de las películas familiares de los 80 son Brad Bird y el compositor Michael Giacchino. Y Disney, que se las veía venir, ha comprado el pack completo.

Así que con claras influencias mesiánicas y jesuíticas, aquí llega Tomorrowland, una historia sin pies ni cabeza cuyo mensaje final es que no importa que seas ingeniero aeroespacial de la nasa o artista callejero, porque se necesita un poquito de todos para construir un futuro mejor y no abrazar el apocalipsis. Un futuro mejor y Jetpacks, que también molan mucho. Lo que nos lleva a una historia un tanto absurda y con grandes lagunas argumentales, orientada exclusivamente a los niños, pero que tampoco a estos convencerá del todo. Metiéndose en fregados científicos como los famosos "taquiones" que cada cual utiliza para explicar el fenómeno futurista de su película bajo la mirada asesina de "No hagas preguntas". Una película que dado su mensaje no convencerá a mayores y dada su complejidad y su historia inconexa tampoco convencerá a los peques.  Aunque cabe destacar que la secuencia de la casa de Clooney es impresionante e ingeniosa.

Los dos maduritos sexys de la industria: George Cloney y Hugh Laurie dan paso a una nueva generación de acores: Britt Roberson y Raffey Cassidy, las que estoy seguro que volveremos a ver muy pronto en la gran pantalla. Porque si bien la película no es para echar cohetes, ellas están más que correctas en el papel que les toca, e incluso desprenden cierto carisma difícil de encontrar entre gente tan joven.

Michael Giacchino se va conformando poco a poco como el compositor efectista de nuestro tiempo, el nuevo John Williams con contrato exclusivo con la industria del ratón. Y Bird, director en el que particularmente depositaba muchas esperanzas tras haber realizado magníficos trabajos en el cine infantil como "El Gigante de Hierro" o "Los Increíbles" pero también en cine un poco más avanzado como "Misión Imposible: Protocolo Fantasma" se da un buen batacazo. Que adquiere mayor impacto cuando te enteras de que Bird rechazo "Star Wars: El Despertar de la Fuerza" por grabar esta película. Mucho le tenía que gustar la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia para dejar de lado semejante proyecto.

Así que en definitiva, "Tomorrowland" supone una película Disney mas, eclipsada por la genialidad y el ingenio de Pixar y orquestada por un director del que sabemos tiene mucho más potencial. De modo que al final acaba resultando un chasco agridulce por mucha inocencia y positivismo que desprenda la cinta. Menos mal que Bird ya ha confirmado que está trabajando en "Los Increíbles 2". 11 largos años de espera que casi acaban por consumir la paciencia de un público que pedía a gritos más aventuras de la familia Parr.

Nota: 4/10

MAD MAX: FURY ROAD

Dirección: George Miller

Reparto: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne, Josh Helman, Natan Jones, Rosie Huntington-Whiteley, Zoe Kravitz, Riley Keough, Abey Lee.

Las secuelas dominan el mundo. Estamos inmersos en un panorama en el que parece que cualquier idea que haya tenido éxito en el pasado debe adaptarse para ser contada con los medios de nuestro tiempo. Este proceso, lejos de buscar un modelo más competente de formular la historia, se limita a contar lo mismo con nuevos medios sin aportar en esencia nada interesante. Pero agrada darse cuenta, de que algunas ideas permanecen. Que algunas ideas se almacenan en el fondo de la mente y esperan guardadas bajo llave el momento de eclosionar, cuando el momento sea propicio. Y para George Miller ese momento llegó hace un año.

Mad Max es una secuela, pero una secuela tan necesaria que solo después de verla se entiende por qué. Miller ha esperado a que los medios técnicos de filmación (Que no efectos visuales) sean propicios para llevar a la gran pantalla la que sin duda es su obra maestra. Una apoteosis de acción de 120 minutos que parece durar solo media hora. Una película que te dejará sin respiración hasta que después de 45 minutos de persecución, locura y arena te planten el primer dialogo de la película. Es la locura llevada a la gran pantalla, el auge de la rueda, de la sangre y de un mundo apocalíptico que necesita la visita urgente de un ayudante social. Una película cuyo punto fuerte no reside en su verosimilitud, pero que no obstante te la puedes tomar en serio. Haciendo gala de un diseño de dirección artística magnifico que te sumerge en un mundo donde la gasolina, las balas y el agua son los bienes más preciados, donde la gente mata por conseguirlos. Una locura ante la cual lo único que puedes hacer es maravillarte y disfrutar como un niño.

Miller juega con todas las posibilidades disponibles, utiliza todos los medios técnicos y no se molesta en crear una trama inútil y fútil que amalgame toda la cinta. En Fury Road no hay trama que valga, no hay desarrollo de personajes ni motivaciones secundarias, es una película de acción a la antigua usanza que reúne entre sus escenas una potencia inigualable. La propia acción es el eje vertebrador de la película, pues valiéndose de ella, Miller ha creado un producto competente por sí solo. Es un espectáculo, simple, sencillo e increíblemente competente espectáculo.

Tanto la dirección artística, como la de fotografía, como el sonido son increíbles, y en conjunto sumando todos sus esfuerzos consiguen crear un estilo nunca antes visto, donde las escenas se aceleran de una manera poco perceptible, donde los sonidos son acentuados y donde todo quedar marcado por un potente color naranja que transmite una aridez que da a la película una potencia visual que no te dejará desprender los ojos de ella. Todo esto aderezado con una banda sonora asfixiante, frenética, que sorprendentemente huye de los sonidos convencionales para ofrecer una serie de chirridos y golpes de sonido de gran efecto en el espectador.

Así que en definitiva podemos decir que "Mad max: Fury Road" es un blockbuster de acción perfecto. Una película que hace gala de su simplismo en la trama y que no se avergüenza en hacer de la acción su caballo de batalla, que tiene claro que su objetivo es sorprender en lo visual y en atrapar al espectador en sus frenéticas persecuciones y explosiones. Una película de la que se podrá disfrutar aunque la acción no sea lo suyo. Una película en la que deliberadamente te muestran una serie de elementos que no cuadran, como un guitarrista diabólico encima de un camión en plena persecución, o hábiles maniacos que se pintan la dentadura con spray plateado antes de inmolarse para ir derechitos al Valhala. Un espectáculo cinematográfico de la época moderna que te invitará a abrazar la locura y el sin sentido para hacerte pasar un rato inolvidable.

Nota: 7/10

VENGADORES: LA ERA DE ULTRÓN

Dirección: Josh Weedon

Reparto: Robert Downey Jr, Chris Evans, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Jeremy Renner, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Aaron Taylor-Johnson, Elisabeth Olsen, Paul Betanny, Don Cheadle, Cobie Smulders, Anthonie Mackie, Idris Elba, Stellan Skarsgard, James Spader, Andy Serkis, Linda Cardellini, Claudia Kim.

Si existe una encarnación radical del cine hecho por el dinero y  pasándose por el forro de las gónadas todos los criterios del buen gusto, esa encarnación se llama Marvel. Una compañía que durante años se ha dedicado a sablear sistemáticamente con películas no solo abominables desde el punto de vista cinematográfico, sino que además ha hecho gala de importarle tres cojones las historias de los comics que tan fervientemente seguían muchos fans. Una compañía que pone en manos de talentosos directores proyectos donde al final quien decide es una junta de usureros buitres carroñeros a los que les importa un comino que la película final sea buena o fiel a los comics, pero que por otro lado se interesaran insistentemente en que el filme les deje repletos los bolsillos.

Y nadie puede luchar contra Marvel, porque los superhéroes están de moda y no pararán de golpearnos con ellos en la cara 3 o 4 veces al año hasta que acabemos con tal empacho de trajes de licra y supervillanos que el género vuelva a caer en el olvido. Así que aquí llega la apoteósica clausura de la Fase 2 de Marvel. Con un pobre Josh Weedon que a pesar de su entusiasmo y sus ganas de hacer una película por y para los fans se ha percatado de que en realidad ni pincha ni corta. Solo hay que informarse un poco para darse cuenta de cuan jodida está la cosa. Weedon acaba la película y desde arriba le dicen que tiene que incluir una escena con Thor sin camiseta, de modo que el incansable dios de los Nerds graba en tiempo record una subtrama para poder incluir de forma coherente a Chris Hemsworth en modo mojabragas On. Y después la misma directiva que le había ordenado incluir la escena le dice que se olvide de la subtrama, y que casque la escena de Thor sin camiseta sin el resto del metraje, que la peli se hace larga y la gente va a lo que va.

¿Acaso se puede tomar en serio un proyecto en el que las decisiones importantes son tomadas por semejante panda de anormales profundos? Con razón Wheedon ha dejado Marvel e incluso Twitter, porque cuando en un película el que pone la pasta manda más que el director algo se está haciendo mal. De modo que "Los Vengadores" resulta ser una espectáculo de lo más previsible, realizada de una manera impecable, manejando a un reparto multitudinario de carismáticas estrellas lideradas por Robert Downey Junior, ese payaso hollywoodiense que anda por ahí con aires de prepotencia insultando hispanos como si se hubiese coronado como el mejor actor del siglo después de su interminable lista de papeles sobreactuados. Una película que si bien te entretendrá, luego te dejará rascándote la cabeza creyendo que te han tomado por tonto porque la mayoría de escenas no tienen ningún sentido al tener que acabar todo bien.

Porque son Los Vengadores y al fin y al cabo da igual que pase en la película, la gente lo va a ver de todas formas y todavía quedan 2 partes más. De este modo Marvel consuma su modelo de cantidad es igual a calidad, mientras sigue avanzando a pasos agigantados en su proyecto de crear la mayor saga de películas de la historia e intentando atraer a todo quisqui a su macro tinglado. Creando una película que decepcionará a los fans, a los que les guste el buen cine, pero también a aquellos que esperasen por lo menos el nivel de calidad de la primera entrega. ¿La causa? El maldito dinero que no para de amontonarse entre los directivos de Marvel cada vez que una persona sale del cine decepcionada. Y es que cuando se tienen barcos y putas a uno se la suda bastante que Loki aparezca o no, que la trama tenga algún maldito sentido o no, la cosa es que los billetes sigan entrando, y mire usted si la película es tan mala la gente no habría ido a verla.

Y por muy triste que sea, esta es la realidad. "Los Vengadores" no es una película hecha para los fans, sino una película que se aprovecha de la ilusión y el hype de los fans para finalmente sacarles la pasta y defraudarlos.  Una película en la que todas las decisiones pertinentes se han hecho en base a una sola pregunta, y es: ¿Que nos dará más beneficios? Donde se ha dejado de lado voluntariamente y con alevosía todos aquellos elementos que hubiesen conformado una trama más solida y más interesante para hacer la película más rentable. Pero no se preocupen que hasta 2019 Marvel no nos dará tregua, con sus finales post-créditos, sus aventuras financieras sobre quien tiene los derechos de quien, y anunciando todas las semanas que otro ingenuo actor se ha unido a la gran familia amparada bajo el símbolo del dolar. Wheedon se ha hartado de tanta mierda, y nosotros empezamos a hartarnos también.

Nota: 4/10

LOST RIVER

Dirección: Ryan Gosling

Reparto: Iain de Caestecker, Saorise Ronan, Christina Hendrix, Ben Mendelsohn, Eva Mendes, Matt Smith, Reda Kateb, Barbara Steele, Torrey Wigfield

Después de ver "Lost River" agrada darse cuenta de que Ryan Gosling ha aprendido algo de los directores con los que ha trabajado. Concretamente de Nicholas Winding Refn, y es que a veces la historia solo es algo secundario, un mero pilar sobre el que se tiene que construir un complejo andamio donde la fotografía, la banda sonora y la forma de grabar acabaran haciendo que una historia poco atractiva acaba siendo realmente interesante. Todo un ejercicio de ensayo para un primerizo como Gosling al que la jugada no le ha salido muy rentable, a pesar de que su cinta tiene una indudable calidad.

La historia base de "Lost River" es sencilla. Oscura, exagerada, con un gran tinte onírico, pero sencilla. Es la forma que tiene Gosling de contarla lo que la hace realmente interesante.  "Lost River" sumerge al espectador en un ambiente cargado de referencias al cine de David Lynch, de colores chillones, de neón, de arboles húmedos y vetustos. Un pequeño sub mundo que se enrarece a medida que se profundiza en el. Un pequeño extracto de la sociedad donde lugares concretos se erigen como ejes vertebradores de una historia tan enrarecida que uno saldrá del cine con la completa convicción de que no ha pillado todo lo que la película quería contarle. Pero resulta agradable contemplar como Gosling no tienen ningún tipo de pretensión de intentar explicar lo que significa, el espectador recoge las piezas y se monta su propio puzle.

¿Pero cómo consigue Gosling este curioso efecto embudo en el espectador? Mediante el selecto cuidado de todos y cada uno de los aspectos de cada toma y cada plano. los movimientos de cámara alternan los travellings cuidados milimétricamente con descuidados movimientos de cámara, junto con tomas en slow motion e incluso grabaciones en vertical. Un estilo próximo al de Terry Gilliam, del que ya sabemos que le van también este tipo de fregados. En definitiva un estilo de grabación rompedor, que descoloca y que consigue un efecto de gran potencia en el espectador. La banda sonora de Johnny Jewel, que ya había colaborado en el departamento musical de "Drive" queda marcado a fuego por su colaboración con Cliff Martinez, y en la banda sonora podremos encontrar pistas de grupos como "The Chromatics". Una banda sonora cargada de sintetizador, de música electrónica, de canto fantasmagórico y de un ritmo que incita a tomarse las cosas con calma y a dejarse sumergirse en esa atmósfera onírica tan bien conseguida.

Y resulta chocante, casi increíble, que este tan complejo ejercicio de estilo venga de parte de un director novel como Ryan Gosling. Que esta gran cantidad de novedades, de saltos al vacio, de planteamientos arriesgados y de ganas de romper los convencionalismos venga de un tipo que se acaba de iniciar en la dirección. Sangre joven lo llaman algunos, sangre joven a la que le han negado la proyección de su película en la gran mayoría de salas, sangre joven que muy posiblemente haya realizado su primer y última película a causa de el escaso presupuesto que ha conseguido. La víctima de un sistema que destroza a todos aquellos que se muestran reticentes a pasar por el aro.

Así que gracias Hollywood, has cortado la cabeza de la serpiente, una serpiente que en el futuro podría haber puesto muchos y muy interesantes huevos. Solo puedo decir que ojalá, ojalá Ryan Gosling se recupere de esta somanta de palos que le han dado, se levante y se ponga de nuevos manos a la obra. Que deje de ser el guapito mojabragas a manos de directores incompetentes que el mismo sabe que no es, porque está destinado a cosas mayores, porque ha demostrado que puede crear algo mejor que todos ellos, que puede dejar de pavonearse entre bambalinas y dejar de ser el chico guapo de Hollywwod para convertirse en lo que realmente es: un artista.

Nota:8/10

INSURGENTE

Dirección: Robert Schwenke

Reparto: Shailenne Woodley, Milles Tellers, Kate Winslet, Naomi Watts, Theo James, Ansel Ergot, Jai Courtney, Octavia Spencer, Zoe Kravitz, Maggie Q.

Si uno hace de tripas corazón y se pone a remover la mierda del extenso lodazal que es el cine adolescente, se da cuenta rápidamente que los últimos puestos, reservados para aquellas películas que destacan de entre las demás por ser especialmente execrables, están ocupados por Crepúsculo, Cazadores de Sombra y en especial Insurgente. En medio de este panorama donde las películas dirigidas a adolecentes parecen haber olvidado que una trama tiene que tener un mínimo de sentido, se nos presenta de nuevo el mismo y exasperante modelo, los jovencillos, mancebos incomprendidos por unos malvados adultos que no les entienden ni quieren entenderlos. Una protagonista cuyo super-poder es ser una "fuera de onda" y que todo el mundo la busque por ello. "Se tu misma", "Tu mayor enemigo eres tú misma" y demás sarta de chorradas con ligeros tintes de Paulo Cohelo escribiendo un manual de autoayuda para chiquillos y chiquillas que creen ser más mayores por leer cuatro páginas de filosofía barata.

Ah, había olvidado que nuestra querida Shailene tiene otros super-poderes aparte de ser una fuera de onda, sabe disparar como si la hubiesen entrenado los Navy Seals y además reparte tortas como panes a morlacos de 2 metros, y lo cachondo es que los tumba. Porque es insurgente, lleva tatuajes y tiene que moverse haciendo parkour en vez de subir las escaleras, porque es un gran acto de rebeldía ante la opresión del sistema. Fuck da polise y cortate el pelo. Y la película no deja de ser cachonda, porque está plagada de explosiones, tiritos y frases contundentes, es decir, todos los elementos que conforman una película de acción estándar, de esas que la gente no quiere ir a ver porque son muy americanas y aburren. Pero alguien ha debido de tener la brillante idea de pensar que "Insurgente" va de otra cosa, cuando en realidad es el mismo plato servido con diferente guarnición, pero como suele pasar en este negocio, la carcasa lo es todo.

Pero saquémosle pegas a la trama que es lo más divertido. ¿Por qué hacen pasar a todos los adolescentes por esa prueba infernal de tentáculos si tienen un detector portátil de insurgentes que pueden utilizar cuando les plazca? ¿A nadie en ese mundo se le ha ocurrido fabricar rifles de larga distancia en vez de ir saltando de azotea en azotea con subfusiles cual monos? ¿Y por qué cojones el hermano de la prota se pasa a los malos? ¿Porque pertenece a esa facción donde todos parecen estar bajo la influencia del soma? Anda ya. ¿Porque tienen rascacielos y monitores futuristas pero no tienen malditas cosechadoras? ¿Quién tiene su despacho encima de una cuadra teniendo una estructura futurista a 10 metros? Ahí debe de oler a sabrosura. Te metes en un tren lleno de matones, sabes que si les dices quien eres no te harán nada pero en vez de eso decides pelearte con ellos a pesar de que son veinte tíos como mínimo. Buen trabajo Theo, Buen trabajo.

Así que eso es todo amigos, siento no poder hacer un análisis más objetivo de la película, pero es que cuando te topas con una cosa tan absurda los sentidos se te nublan y solo puedes ciscarte en la desgraciada que escribiese semejante abominación e insulto a la evolución humana. Si te gustan los libros supongo que te gustará la película, pero si no los has leído como es el caso de servidor, ni se te ocurra, ni se te ocurra acercarte a mas de cien metros de cualquier sala donde la proyecten, porque es que si ni quiera te puedes reír de lo mala que es. Os he advertido.

Nota: 1/10