MAGIA A LA LUZ DE LA LUNA

Dirección: Woody Allen

Intérpretes: Colin Firth, Emma Stone, Jackie Weaver, Simon McBurney, Catherine McCormack, Eillen Atkins, Erica Leerhsen, Jeremy Shamos, Hamish Linklater, Marcia Gay Harden.

Sinopsis: Stanley es un hombre racional y culto más conocido en los teatros europeos como el gran mago chino Wey Lin Su. Un día durante una de sus actuaciones, un viejo amigo de la infancia acude a él pidiendo ayuda para desenmascarar a una joven americana que esta embaucando a una familia francesa haciéndoles creer que puede comunicarse con los muertos.

Ya se nos estaba escapando el año, y eso no podía ocurrir sin la cita anual con Woody Allen. Amado por algunos, odiado por otros. Personalmente, y sin decantarme por ninguna de las dos posturas, hay algo que defensores y detractores podrán comprobar fácilmente, y es que a este hombre, que en tiempos revolucionó el género de la comedia, se le gasta la munición más rápido que a un niño una bolsa de chocolates. Es tal vez por esto, que el genio de Manhattan ya haga las películas como quien pela las patatas, de una forma instintiva y sin preocuparse de si aprovecha todo el potencial de las historias.

En su nueva película cuenta con el gentelman inglés por excelencia, Colin Firth, que como siempre, esta soberbio en su personaje, que en esta caso, habiendo salido del tintero de Allen le viene como un guante. Y en al papel femenino, Emma Stone, la idolatrada estrella de la red, de la que no sabemos si Allen volverá a precisar sus servicios. Aunque claro está, si no volvió  precisar los de Cate Blanchett poca esperanza cabe para la novia de Spiderman.  Digamos que el reparto funciona correctamente, si tenemos en cuenta que en este tipo de películas el guión hace el 90% del trabajo.

Porque no se engañen, el cine de Woody Allen es básicamente eso, guión, guión y más guión. No veremos al geniecillo de las gafas arriesgándose a hacer travellings o innovando en el lenguaje narrativo. Hasta el punto de que resolverá las transiciones entre escena y escena con arcaicos fundidos en cadena y solo cambiara de encuadre si es estrictamente necesario como si de cine de los años 30 se tratase. Fácil de grabar, fácil de editar, perfecto para sacar una película al año y ni despeinarse. Así usted y todos señor Allen, pero a algunos les gusta trabajárselo un poquito más.

Pero centrémonos en el guión, un elemento que dentro del cine de Allen suele estar ahí para hacerte reír, pero… ¿Y cuando no lo hace? Houston tenemos un problema. Y no estamos hablando de la que la película sea un drama. Personalmente creo que las mejores películas de Allen de los últimos años son dramas y no comedias (Match Point, Cassandra’s Dream) pero este no es el caso. “Magia a la luz de la Luna” es una comedia que de hecho no hace reír, o al menos no tanto como otras películas de Allen. Una película que Allen utiliza como siempre para hablar de sus inquietudes personales, la muerte, el mundo racional, el amor y la atracción sexual, pero esta vez se presentan estas reflexiones sin toque humorístico, pero tampoco con enfoque de drama.

Vamos, que resumiendo, se trata de una película que entretiene a duras penas, que trabaja el suspense como tema principal pero de una forma tan suave y mezclada con otros estilos que no acaba de convencer. Si es cierto que la película se deja ver, pero nada más. Aceptémoslo, Woody Allen vivirá el resto de su vida con una horda de seguidores que cada año se afanarán en las salas de cine esperando ver repetida alguna de sus obras maestras como “Annie Hall”, “Misterioso asesinato en Mahattan” o “Hannah y sus hermanas”. Pero a estas alturas la mayoría ya hemos perdido la esperanza. Los estilos cinematográficos están bien, pero un director que juega siempre en el mismo campo peca de no salir de casa a experimentar. Evoluciona o muere. O deja que los abuelos se sigan agolpando en las salas donde proyectan tus películas y deja que las nuevas generaciones se pierdan el mundo viendo las tortugas ninja.

Nota: 5/10

EXODUS: DIOSES Y REYES

Dirección: Ridley Scott

Intérpretes: Christian Bale, Joel Edgerton, Sigourney Weaver, John Turturro, Ben Kingsley, Aaron Paul, María Valverde, Ben Mehdelson, Andrew Tarbet.

Sinopsis: Basada en el capítulo del génesis del antiguo testamento, La película narra la historia de Moisés, un aristocrático egipcio que un día descubre que es hijo de hebreos, la tribu esclava de los faraones en el 1.300 A.C. Es exiliado, y durante su viaje toma contacto con sus raíces y recibe la llamada del dios hebreo, que le dice que libere al sus pueblo del faraón Ramsés, intimo amigo de la infancia de Moisés.

Es de todos sabido, que a un veterano como Ridley Scott se le dan bien las películas ambientadas en épocas de la historia. Ya había tocado con “Gladiator” el mundo romano, con “El Reino de los Cielos” las cruzadas, y ahí quedan otras películas de época como “Los duelistas” o la bochornosa “Robin Hood”. “Exodus” no es una excepción, en lo que se refiere a la parte de la película que se puede calificar como “histórica”, y ojala no tuviésemos que hablar de otra parte, pero por desgracia, si, la hay.

El cine bíblico está de moda, y parece que viene a llevarse a todo el mundo al agujero de los parias y los leprosos. Ya sea a Darren Aronofsky (y a todo su espectacular reparto) con “Noé” sin duda alguna y con mucha distancia de las demás la peor película de 2014, o ahora al mismo Ridley Scott, aunque no podamos decir que el abuelete que en su día filmo las inmortales “Alien” y “Balde Runner” no estuviese ya con la mierda al cuello. Como he dicho, el cine bíblico está de moda, y sin razón aparente, a excepción de que todo hijo de vecino parece que quiere ir a ver al barbudo de turno sacado de la biblia soltando mandamientos. Aunque luego aborrezca la película. Claro está que en Estados Unidos esto vende mucho, y ya sea dicho de paso, en España también.

Así que tenemos a Christian Bale caracterizado como Moisés, (Y ojo que no lo hace del todo mal, aunque de vez en cuando te esperes un “Soy Batman”, la labor actoral de la película en general es de lo poco que se salva por los pelos) y el señor Ridley Scott te lo planta en mitad de la corte egipcia, y te quedas flipando con lo bien que están hechos los puñeteros templos. Y aún flipas más cuando te dicen que esta está grabada en España. Y parece que la película aún va a ser entretenida: mucha acción, diálogos sacados de la verborreica pluma de algún guionista de Hollywood al que le habrán dicho “hazme pasar esto por una película bíblica”. Y el avispado genio de la industria se habrá apresurado a asir la goma de borrar y remplazar el nombre de “Jack Bauer” por el de Moisés. Pero bueno, que es pasable, una peli de acción más, si está bien hecha y no es pretenciosamente absurda se lleva el aprobado raspado, se pasa un buen rato y todos contentos, pero no.

En el momento en el que meten a Dios en la trama, la cosa empieza a desvariar, empezando por la misma representación de Dios, una especie de niño autista acosador mal doblado no, lo siguiente, que tiene como pasatiempo aniquilar poblaciones enteras. Así de gratis, con diálogos muy cachondos en los que te planteas si el niño es una deidad o si simplemente Moisés toma setas alucinógenas y se encuentra con un pequeño duendecillo que le dice que “queme cosas”. Pero es que además Moisés pasa de ser un personaje histórico con base a ser un tío que grita cada vez que quiere decir algo y que enseña las artes de la lucha a los hebreos a modo de guerrilla ninja warrior. Tal es el nivel de epicidad que alcanza esta mastodóntica producción, que Moisés y Ramsés acabarán batiéndose en duelo en mitad de un tsunami, como si de Dragon Ball Z se tratase. ¿Cuántos millones habrá metido la aristocracia judía hollywoodiense para que esta película se lleve a cabo? El dialogo del final entre Bale y Aaron Paul, o Jesse Pinkman para los amigos (Si, y también me esperaba un dialogo del tipo: I’m Batman Bitch!) nos dice cuanto. Mucho, mucho dinero por hacer una peli que hará el culo gaseosa a 4 tarados y que decepcionará a millones.

En conclusión, en “Exodus” nos encontramos la convergencia nefasta entre 2 tipos de películas, una histórica cargada de acción pasable y una deleznable sobre el antiguo testamento. Una película tan mala que dejará que 2 pedazo de actores como Sigourney Weaver y Sir Ben Kingsley pasen desapercibidos. La película de un casi octogenario que se produce sus propias películas y que además no tiene reparo en decir ante los medios que su modo de vida es la publicidad, que del cine pasa un poco.  Consejo para Ridley Scott, la próxima vez que te metas a hacer una película, revisa el guión. Que no pasa nada si está desprovisto de acción y es incomprensible a priori. Porque prefiero una película como “El Consejero” una película a la que frieron a críticas por demasiado indescifrable y pretenciosa, que una película que va a ser criticada de absurda y muy mal llevada. Durante años me he mostrado reticente a meter a Ridley Scott en el saco de estrellas caídas, pero ya vale. “Robin Hood” y “Prometheus”  fueron malas películas, y ya van 3 en menos de 4 años. Ya pueden cambiar las cosas o me da a mí que este hombre pasara a la historia más por sus últimos trabajos que por sus grandes obras maestras. Que si no se hace una película al año tampoco pasa nada ¿eh? Y a ver si dejamos la Biblia ya en paz, que a este paso Michael Bay dirigirá “Esau & Jacob: La Venganza de las Lentejas”. Que en la infancia ya tuve suficiente con “El príncipe de Egipto”, y en esa por lo menos cantaban, que ya era algo.

Nota: 4/10

THE ZERO THEOREM

Dirección: Terry Gilliam

Intérpretes: Christoph Waltz, Matt Damon, Ben Whisaw, David Thewlis, Melanie Thierry, Lucas Hedges, Tilda Swinton, Gwendoline Christie.

Sinopsis: En un futuro donde las empresas han colonizado las calles, Qohen Leth, un solitario genio de la informática, dedica su vida a resolver el Teorema Zero. Una fórmula informática que determinará si la vida tiene sentido. Trabajando en una capilla quemada que utiliza como su hogar, su investigación se verá interrumpida por la visita de una mujer llamada Bainsley y Bob, el hijo adolescente de su jefe.

Aunque a muchos les parezca una apuesta alocada, inviable y con claras pretensiones de ser un bodrio de dimensiones colosales, la distopía y el absurdo son 2 elementos que alcanzan su máxima expresión en el trabajo de un hombre: Terry Gilliam. A sus trabajos me remito, “12 monos” aunque tachada de incomprensible y excesivamente agobiante por algunos, es sin duda una de las distopías más importantes de los últimos años, que al son de su famoso pasodoble nos mostraba el mundo del futuro de una forma que nadie había contado antes. Su nueva película, si bien dentro del género de la distopía, es más una reflexión trascendental, cargada de sutiles símiles, pequeñas metáforas, todo aderezado con su particular forma de grabar, de la vida monacal y de la idea de la vida y la divinidad.

Protagonizada por Christoph Waltz, ese gran artista descubierto por Quentin Tarantino por el que los estudios de Hollywood estarán lamentándose años por no haber contactado con él a una edad más temprana. Ese carismático coronel de las “SS” Hans Landa, que por primera vez protagoniza una película fuera del cine alemán. Junto a él, unos extras de lujo como Matt Damon, Ben Whisaw o David Thewlis y co protagonizada por 2 jovenes promesas que sin duda darán de que hablar, Melanie Thierry y Lucas Hedges.

Los que estén familiarizados con el cine de Terry Gilliam, o simplemente sean fans  de los Monthy Pythons y de sus hitos cómicos como “La vida de Brian” o “Los caballeros de la mesa cuadrada” saben a lo que van. Esos planos inclinados, esa óptica de ojo de pez, esa forma de mover la cámara que incita mantener la cordura en medio de un panorama de psiquiátrico. Como novedades, un estupendo uso del color y de la luz, la estética Steampunk, y un contenido trascendental que sorprende para bien en el cine de Gilliam.

Gilliam demuestra, que lo divino nunca ha estado más unido a lo científico, que el sentido de la vida se puede encontrar en la religión, pero también en una fórmula matemática que vaticine el fin de la humanidad engullida por un enorme agujero negro supermasivo. El mismo individuo que sueña con deslizarse desnudo por el vórtice espacial, trabaja día y noche en el interior de una iglesia calcinada, durmiendo encima del órgano y ahuyentando a la paloma del espíritu santo. Y poco a poco descubre los pequeños placeres de la vida que se ha prohibido a sí mismo en su reclusión mientras espera la llamada. Devorar una pizza o experimentar sexo de realidad virtual con un traje de diablo veneciano. Esas cosas que entretienen al individuo en su camino para encontrar un paradigma que de sentido al caos que inunda la existencia.

De modo que, los que en su día gozaran con filmes como "Brazil", "12 monos" o "El imaginario del doctor Parnassus" sin duda adorarán la película. Si por otro lado el espectador es un riguroso defensor del cine clásico, ver tanto plano torcido y tanto enano vestido de leopardo igual le distrae e incluso le molesta dentro del mensaje final. Pero algo está claro, y es que cuando se trata de contar una historia, hay múltiples vehículos para llevarla hasta espectador, y Gilliam es el propietario del más extravagante, alocado y sorprendentemente efectivo de ellos cuando se trata de distopías que nublan la razón. Así que a pesar de que la película tenga sus fallitos y se haga en tramos algo complicada de seguir, hay que reconocer que la originalidad en este negocio también se valora, y de eso a Terry Gilliam le sobra.

Nota: 7/10

HANNIBAL: TV SERIES (Temporadas 1 y 2)

Creador: Byan Fuller

Intérpretes: Madds Mikkelsen, Hugh Dancy, Caroline Dhavernas, Lawrence Fishburne, Hettiente Park, Scott Thompson, Aaron Abrams.

Sinopsis: Basada en las novelas de Thomas Harris, "Hannibal" narra las peripecias del investigador del FBI  Will Garaham (Hugh Dancy) y de sus psicólogo, Hannibal Lecter. Juntos colaboraran para ayudar al FBI  resolver sus casos más truculentos mientras que el doctor Lecter va ganando influencia en el FBI sin que estos sospechen que es el mismo el que se encuentra detrás de muchos de los asesinatos que investigan.

Personalmente, y habrá gente que me lo rebatirá, siempre me han encantado las historias de Thomas Harris, tanto en la novela como en la gran pantalla. Que "El silencio de los corderos" es una obra maestra es algo incuestionable, pero cuando se trata de hablar de las otras dos películas (Sin contar la casi jurásica "Manhunter" y la precuela deleznable "Hannibal el origen del mal") "El dragón Rojo" y "Hannibal", la cosa ya se pone más tensa. Personalmente creo que se trata de 2 buenas películas, no con la fuerza de "El silencio" pero si con muy buena labor de dirección e interpretación. Los detractores de Ridley Scott y de Julianne Moore no estarán de acuerdo. De modo que se podría decir que el mundo creado por Thomas Harris es un mundo que me gusta en todas sus acepciones, razón por la cual la serie no iba a ser menos.

Uno de los puntos fuertes de la serie es los giros de trama, los creadores de la serie ya han puesto de manifiesto que no pretenden enlazar con los hechos de la novela "Dragón Rojo" hasta la cuarta temporada, de modo que hasta entonces con lo que nos encontramos es con giros de personajes, de trama, conformando un laberinto de intenciones y traiciones que se acaban resolviendo en una consulta psiquiátrica.

Se podría decir que la serie conjuga 2 elementos de forma casi perfecta, al serie policiaca y el ensayo sobre la mente. Podemos ver a Will Graham investigando los casos, siguiendo las pistas y realizando descubrimientos. Pero por lo menos 2 o 3 veces a lo largo del capítulo, Graham se relajara y se pasara por la consulta del doctor Lecter, contará lo que ha sentido, nos contará de primera mano su evolución de personaje. De este modo no solo se consigue una potentísima serie policiaca, sino que además los perfiles psicológicos de prácticamente todos los personajes de la serie se nos presentan por medio de unos diálogos densos, con mucho significado detrás de los significantes y en ocasiones con auténticas perlas en lo que se refiere a guión televisivo. En Hannibal cada dialogo quiere decir algo, y calar a los personajes cuesta, porque en el mundo de Thomas Harris se combate con pistolas y cuchillos, pero también con la mente.

El estilo de grabación es peculiar y efectivo. "Hannibal" se envuelve en medio de una bruma oscura, un ambiente lúgubre en el que prácticamente solo vemos enfocada la cara del personaje, y a veces solo fragmentos de ella. La banda sonora de Bryan Reitzell roza lo asincrónico, mezcla melodías propias de la música clásica con los sonidos chirriantes, similares a las composiciones de John Wlliams en "Encuentros en la tercera fase" o "En busca del arca perdida" Concretamente el momento de las tarántulas. Una música que incomoda, y que sugiere que a pesar de que no estemos viendo nada desagradable en pantalla, los diálogos encierran un contenido oculto que nos pondría los pelos de punta si llegásemos a comprenderlo del todo. Y cuando uno lo comprende no sabe si asquearse y odiar a Hannibal o hacerle la ola, sonreír y decir en voz baja "Que cabroncete, lo ha vuelto a hacer".

Es una de las virtudes de la serie, el villano principal consigue tanto aduladores como detractores. Personalmente y a pesar de que llevo toda la serie deseando que pillen de una vez a Hannibal, no puedo sino rendirme ante la maestría del personaje, a la belleza de su violencia y a su sofisticación quirúrgica. Gracias, por cierto, a la excelente interpretación de Madds Mikkelsen, el que sin duda es el mejor actor danés de su generación. El Hannibal de Mikkelsen es si cabe más frio, sofisticado, complejo y excepcional que el de Anthony Hopkins.

Hannibal se puede resumir en Mikkelsen asestando puñaladas mientras se mezclan las imágenes con él mismo tocando el celemín. Es una serie que apuesta por los matices, por lo no evidente. Por unos personajes que encierran sus intenciones al espectador y se mueven por el laberinto, haciendo plantearse al espectador cual será su siguiente paso o cual será la siguiente trampa en la que caerán. Una serie para el cuerpo y para la mente. Aviso, si vais a comenzar a verla debéis saber que es lenta, especialmente la segunda temporada, pero no dejéis de mirar, en "Hannibal" cada matiz y cada puñalada tienen significado, aunque este, claro está, no siempre será agradable, ni mucho menos.

Nota: 8/10

SINSAJO: PARTE 1

Dirección: Francis Lawrence

Intérpretes: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Woody Harrelson, Liam Hemsworth, Donald Shuterland, Philip Seymour Hoffman, Julianne Moore, Jeffrey Wright, Stanley Tucci, Jena Malone, Elisabeth Banks, Sam Claffin.

Sinopsis: Después de ser rescatada de el vasallaje de los veinticinco, Katniss Everdeen es llevada al Distrito 13, donde desde hace décadas se está formando una rebelión que planea derrocar el gobierno tiránico de capitolio. El Distrito 13 quiere a Katniss como protagonista de una campaña publicitaria para que los distritos se unan en su lucha contra el capitolio, y Katniss lo único que quiere es rescatar a Peeta, que ha caído en las manos del presidente Snow y ahora realiza breves espacios televisivos en los que incita a los distritos a deponer las armas para evitar la guerra total.

Bienvenidos a Panem, el universo más absurdo jamás creado por cortesía del intento de clonación de JK Rowling llamado Suzane Collins. En este mundo de incongruencias, adolescentes con trajes de alta costura salen a combatir naves espaciales con arcos y ballestas, los rebeldes se suben a los arboles cual macacos para combatir a sus enemigos y el plan maquiavélico del malo malísimo es programar mentalmente a un retaco de metro sesenta para que se adentre en un bunker subterráneo de más de 40 pisos para que solo con sus manos y burlando a todo el personal de seguridad aniquile a la persona mejor protegida de toda la rebelión. En serio presidente Snow ¿De verdad creía que daría resultado?

Bienvenidos a una película que se llama "Los juegos del hambre" pero en la que no de hecho no hay "juegos del hambre", solo Jennifer Lawrence llorando periódicamente cada 8 o 9 minutos para conmover a la horda de fans que a golpe de los tres dedos señalando al cielo se encojen en sus asientos cada vez que Katniss las pasa canutas. Una película que se ha hecho tan rápido y mal que no contentos con mostrar una sarta de tonterías sin sentido alguno marea al espectador a lo largo de 2 horas para finalmente no contarle absolutamente nasa. Si la anterior entrega se llamaba "En llamas", esta debería llamarse "Vende humo".

Una película que prácticamente cumple con todas las condiciones de una película de acción estándar que el público rechazaría a primera vista. Pero que al meter una protagonista femenina y una trama cutre y manida con ecos de "1984" entonces ya no, mire usted, que son los juegos del hambre, y como en Tailandia se manifiestan con el símbolo de la película entonces es una película sobre el poder, sobre la ambición y la rebelión. Si, ¿Pero que bien te lo pasaste en las escenas de acción eh? Y que guapos son los protagonistas y que romántico es todo. A ver si eso va a ser lo que de verdad te gusta de este mundillo.

Resumiendo, la película es aburrida, lenta y absurda hasta límites insospechados, ni siquiera la banda sonora de James Newton Howard es aprovechable. Una película que te hará mirar para abajo de la vergüenza ajena que es ver el doblaje español de Jennifer Lawrence cantando una canción que no viene a cuento en la película.Una película en la que solo se salva la canción de Lorde del final. Una película que te llevará de la mano cual niño con problemas mentales para al final decirte, eh, ¿Que te esperabas? Esto se acaba aquí, no hay más. Y como alguien después de ver esta película se atreva a decir que las tres películas de "El Hobbit" son lentas e innecesarias le pego un tiro. O un flechazo, que estamos en el mundo del absurdo y no hay que desentonar.

Nota: 3/10

INTERESTELLAR

Dirección: Christopher Nolan

Reparto: Mathew McConaughey, Anne Hathaway, Michael Caine, Jessica Chastain, John Ligtow, Matt Damon, Wes Bentley, Casey Affleck, Ellen Burstyn, Mackenzie Foy, Timotheé Chalament

Sinopsis: En un futuro no muy lejano donde la humanidad se está quedando sin alimento, la NASA que ahora trabaja de incognito descubre un agujero de gusano capaz de transportar al ser humano  otras estrellas. Cooper, un padre soltero y antiguo piloto, es elegido para liderar la misión Endurance, que llevará a un grupo de 4 astronautas a través del agujero de gusano en busca de un nuevo planeta para ser habitado.

"No entres dócilmente en esa noche quieta, la vejez debería delirar y arder cuando se cierra el día, rabia, rabia ante la agonía de la luz" Llevamos más de una década maravillándonos y asombrándonos del talento de un hombre, Christopher Nolan. Ya sea en una película de superheroes como "El Caballero Oscuro", en un thriller psicológico como "Memento" o en el terreno de la ciencia ficción de "Origen". Nolan transforma las leyes del género, los reconvierte, les da un nuevo significado y acaba realizando complejísimas obras maestras. Su nueva película, es simplemente todo lo que podrías esperar de una mente como la suya, trama compleja, realidades paralelas, una gran articulación de medios sin pantallas verdes de por medio. Un producto que entretiene a los más profanos y que entusiasma y hace agarrase a las butacas a los más entendidos.

Objetivamente se podría decir que la película tiene elementos aislados que podrían ser mejorados, elementos que pueden no gustar a determinados segmentos del público, un "aquí sobra esto" o "aquí falta aquello" o un "esto no está del todo resuelto". Pero la película en conjunto resulta una mezcla explosiva que hace que el compendio total de los elementos resulte creíble y muy satisfactorio.

En este tipo de películas, no hay que olvidarlo, no solo hay que valorar la ejecución de la película, (que ya es magistral) sino la idea. "Interestellar" maneja por separado y agrupa en la misma película una serie de ideas de gran complejidad y trascendencia. No solo las maneja narrativamente, sino que las presenta en la gran pantalla de una forma más que creíble. El agujero negro de Nolan es científicamente exacto y da el pego, lejos de efectos especiales baratos con mucho color y poca chicha del estilo de "Contact" de Robert Zemeckis, una de las pocas películas que antes que interestelar habían contemplado el viaje interestelar como materia para realizar un largo.

La película explora una nueva faceta dentro de las películas de Nolan. Si usted, consumidor habitual de cine, renegaba de Nolan al ver que en sus películas todos los problemas personales de los personajes se resolvían de manera chabacana y rápida, (Un Bruce Wayne que súbitamente decidía volver a las calles, o un Dicaprio en "Origen" que de un momento para otro se reconciliaba con el fantasma de su pasado) debo informarle que "Interestellar" juega en otra liga. El drama personal es el eje alrededor del cual gira toda la película, el amor y el dolor por la pérdida de un padre por su hija. Si no se le encogió el corazón al ver a McConaughey ver los videos de su hijos tras 23 años, tal vez debería ir al quirófano para ver si no carece de él.  Y si el drama y los sentimientos no son lo suyo, no se preocupe, sentirá la adrenalina más pura y dura viendo como se acopla una nave espacial a 37 revoluciones por segundo.

¿Qué podemos decir de la banda sonora? Hans Zimmer vuelve a hacer de las suyas. Nos ofrece una banda sonora de gran calidad, con su sonidos estridentes y sus golpes imprevistos, pero esta vez con un estilo refinado. El órgano predomina en la banda sonora, y en ocasiones se come el diálogo, y no es casual, el instrumento por excelencia de las iglesias y de Dios tiene un mensaje especial en el filme, acerca al espectador a la experiencia de el ente superior, de lo divino y lo desconocido, de la tierra por explorar y de la naturaleza humana.

Para resumir podríamos decir que "Interestellar" es el producto refinado de la cabeza de Nolan. El director que siempre se ha caracterizado por realizar filmes de gran calidad tanto en taquilla como en critica, ha realizado sin duda una de las mejores películas de ciencia ficción de toda la historia pero también ha creado un drama sobresaliente. Nolan ha llevado a los personajes a situaciones hasta ahora inconcebibles, ha creado una obra maestra y no ha necesitado ir de intelectual para ello. Dos hombres peleando en mitad de un planeta yermo cuando a millones de kilómetros de distancia la humanidad agoniza, "Interestellar" se reduce en eso, en que cuando vas más lejos que nadie, no queda otra cosa que el tu y el yo, que somos individuales, tenemos nuestros intereses y nunca nos podremos deshacer de ellos, que el héroe de Hollywwod que sacrifica todo por un bien mayor es una mentira, que el verdadero héroe sufre por no ver a su hija, y le importa un carajo todo lo demás, que el amor es caprichoso e infantil, pero es lo más trascendental y puro que tenemos. Rabia ante la agonía de la luz.

Nota: 10/10

EFECTOS SECUNDARIOS

SIDE EFFECTS

Dirección: Steven Soderbergh

Intérpretes: Rooney Mara, Jude Law, Catherine Zeta Jones, Channing Tatum, Vinessa Shaw, David Costaible, Andrea Bogart.

Sinopsis: Martin (Tatum) sale de prisión después de 4 años. Coincidiendo con su puesta en libertad, su mujer, Emily,(Mara) comienza a desarrollar una tendencia suicida. La familia decide tomar medidas y envía a Emiliy a un psiquiatra (Law) el cual le propone introducirse en un programa de prueba de fármacos que está dando muy buenos resultados en pacientes como ella. Pronto se verán las terribles consecuencias de su elección.

A pesar de que ha anunciado reiteradas veces su retirada del cine, Soderbergh, vuelve a la gran pantalla con una película oscura y psicológica que nos recuerda que cuando este maestro se retire definitivamente el cine perderá mucho. Cuenta en esta ocasión con un reparto poco convencional, la gótica Rooney Mara (Que desde el brillante remake de Fincher de la saga “Millenium” escala puestos en Hollywood), Un Jude Law que últimamente despunta en cartelera, una rescatada Catherine Zeta Jones y un Channing Tatum que va haciendo tímidamente sus incursiones en un cine que no es propiamente de acción.

La película muestra herencia del estilo rápido y depurado de Soderbergh, a la vez que presenta una ambientación e iluminación tenue y siniestra más propia del cine de Fincher. Además, choca la dureza y la realidad en la trama que nos hará dudar de todo el mundo, y repetidas veces.

Siguiendo la tendencia que caracteriza últimamente a todo el cine relacionado con psiquiátricos y problemas mentales, el filme nos ofrece un giro inesperado al final que provoca que una película como “Efectos secundarios” requiera de cómo mínimo dos visionados para poder volver a comprenderla en toda su plenitud. No por ello toda la trama no se explica magistralmente en la película. Al final la película engaña y lo que parecía una crítica a las empresas farmacéuticas y los experimentos con personas, acaba convirtiéndose en todo un thriller psicológico a la altura del ya mencionado Fincher.

Atención a la banda sonora de Thomas Newman que después de su enorme éxito con la música de “Skyfall” de Sam Mendes, se eleva a la esfera de los grandes al compartir posición con Hans Zimmer, Howard Shore o John Williams. Con una simple melodía versionada en todas las pistas que componen la banda sonora consigue un efecto embudo en la historia similar al que ya consiguieron Trent Reznor y Aticuss Ross.

En conclusión, “Efectos Secundarios” resulta una película altamente competente que nos introduce en un mundo de psiquiatras, pastillas y asesinatos. Soderbergh mantiene la calidad que caracteriza a su cine y relanza a dos jóvenes actores que darán de que hablar.

Valoración: 8/10

G.I. JOE: LA VENGANZA

G.I. JOE: RETALIATION

Dirección: Jon M. Chu

Intérpretes: Dwayne Johnson, Chaning Tatum, Bruce Willis, Jonathan Pryce, Adrianne Palicki, Arnold Vosloo, D.j. Cotrona, RZA.

Sinopsis: La unidad de fuerzas especiales G.I. Joe encerró hace un tiempo a dos terroristas que amenazaban la paz mundial: el Comandante Cobra y Zartan. No obstante los dos malvados se las apañan desde su prisión subterránea para destruir a los G.I. Joe y raptar al presidente de los estados unidos, los G.I. Joe han muerto. ¿Todos? No, tres soldados sobreviven al ataque de los malvados y deciden vengarse.

Si la sinopsis ya les ha parecido absurda, prepárense si van a ir a ver la película, o más bien el bodrio-película. Jon M. Chu, conocidísimo director (nótese la ironía) de películas como “Justin Bieber: Never say never” o la saga “Street Dance” (Joyas incalculables del cine bizarro), coge las riendas de la segunda película de esta saga de ninjas-operaciones especiales con nombres tan absurdos como “Snake Eyes”, “Dark Shadow” o “Comandante Cobra”. Prepárense para una crítica que no dejará títere con cabeza.

Este bizarro proyecto cinematográfico está plagado de secuencias tan absurdas como los nombres de sus personajes: Un Bruce Willis que tiene armas escondidas en su casa hasta en la cafetera que nos hace preguntarnos si desayuna pistolas todas las mañanas, Un Dwayne Johnson al que resulta difícil imaginárselo más mazado y que por supuesto elegirá siempre el arma más grande, Ninjas que combinan el uso de katanas irrompibles que resisten el impacto de una bala con subfusiles y motos voladoras explosivas, y por supuesto unos malos a los que les tiene que exudar su maldad por cada poro de su cuerpo (voces malvadas, comentarios crueles, cicatrices en el ojo y máscaras siniestras).

La película acaba resultando una mezcla entre una broma de mal gusto con una película de acción al más puro estilo “geek” que nos deja como resultado hora y media de algo que se parece más a una película de animación para niños acostumbrados a ver telebasura que otra cosa. El rol de Bruce Willis no resulta sino una copia barata de su personaje en la saga de “La Jungla de Cristal” y las bromas malas que juegan con la avanzada edad de los héroes de acción acaban siendo cansinas para un espectador que se ha tragado ya las desafortunadas aunque graciosas películas de “Los Mercenarios”. En estas por lo menos salía Chuk Norris.

Lo único que se puede salvar de la película es la excelente fotografía conseguida en la escena del Himalaya, pero nada más, porque nuestro querido director se las apañara en crear una secuencia tan absurdamente inverosímil que hasta la abuela repartirá un par de patadas giratorias (literalmente).

En conclusión, si vais a ver “G.I. Joe: La venganza” mas os vale desactivar vuestro cerebro e intentar pasar un buen rato en esta vorágine de ostias, tiros, katanas y esteroides.

Valoración: 2/10

ANNA KARENINA

ANNA KARENINA

Dirección: Joe Whright

Intérpretes: Keira Knightley, Jude Law, Aaron Taylor- Johnson, Mathew McFadyen, Kelly McDonald, Domhall Gleeson.

Sinopsis: En el contexto de la Rusia zarista, Anna Karenina es la mujer de un importante ministro del Zar de Rusia. Ella se enamora de un joven oficial de caballería llamado Vronski. Ambos jóvenes comienzan un romance apasionado que acabará destruyendo la vida de ambos y que los condenará ante la sociedad de su época.

Siguiendo con la costumbre que le ha hecho famoso en el panorama internacional, Joe Wright vuelve al género de adaptación de obras literarias. Después del choque que supuso para su estilo una película como “Hanna” (Película con la cual Wright demostró que se desenvuelve de manera magistral tanto en el drama como en el cine de acción), el director se lanza de nuevo a adaptar y en esta ocasión se lanza con la novela realista rusa de la mano de la obra del brillante Tolstoi.

El film resulta innovador y rompedor en muchos ámbitos, pero si tenemos que destacar uno, no podemos ignorar la peculiaridad de que la práctica totalidad de la película está rodada dentro en un teatro. Las secuencias se sobreponen unas a otras entre biombo y biombo y nos encontramos con secuencias extenuantemente largas que contienen varios puntos de la trama. El patio de butacas se convierte en una pista de patinaje sobre hielo y los altos del teatro se convierten en las casuchas de los suburbios de Moscú.

Las interpretaciones brillan por su cuidado en los pequeños detalles.  Wright repite por tercera vez con Knighley después de “Expiación” y “Orgullo y Prejuicio” y añade al reparto a un curtido Jude Law y a un joven y deslumbrante Taylor-Johnson. Las actuaciones son correctas sin llegar a ser nada especialmente destacables, si bien es verdad que en todo momento consiguen transmitir lo que se proponen.

Sin embargo, y a pesar de las novedades experimentadas, no podemos decir que las nuevas medidas hayan dado un resultado del todo positivo. A pesar de la novedad del rodaje casi integro en un teatro, lejos de entretener y poder ser disfrutado deja al espectador mareado y en ocasiones sin entender exactamente qué está pasando. (Si bien es verdad que el ojo acaba acostumbrándose a esta novedad, al principio cuesta). A nivel interpretativo, el plano psicológico del arrepentimiento, (Que resulta ser la pieza angular de toda la construcción del personaje de Anna Karenina en la obra) queda rebajado y en ocasiones brilla por su ausencia.

En conclusión, Anna karenina resulta una película que comienza pareciendo curiosa pero que acaba aburriendo y haciéndose pesada. Cabe destacar su brillante vestuario, pero parte de eso es una película que no añade nada a lo ya filmado y que pasará desapercibida con el tiempo a diferencia de las predecesoras de su director.

Valoración: 6/10

EL ATLAS DE LAS NUBES

CLOUD ATLAS

Dirección: Tom Tykwer, Andy Wachowsky, Lana Wachowsky,

Intérpretes: Tom Hanks, Halley Berry, Jim Broadbent, Ben Wishaw, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Doona Bae, Susan Sarandon, Jmes D’Arcy, Hugh Grant, Keith David.

Sinopsis: Seis situaciones temporales dispersas en el tiempo: un joven médico viaja a bordo de un barco en pleno siglo XIX, un compositor homosexual comienza a trabajar para un magnate de la industria durante el periodo de entreguerras, una reportera investiga la apertura de una planta nuclear en los setenta, un editor se ve encerrado en un asilo en 2012, una rebelión liderada por una clon que escapa de su decadente vida en el año 2500 y la búsqueda del conocimiento de los antiguos en los albores de la nueva era, conforman un retablo de personajes y su evolución durante las distintas épocas.

En primer lugar, pedir disculpas a mis lectores porque esta crítica va a ser muy extensa,  pero una película de casi tres horas y de tal complejidad argumental bien lo merece. Tom Tykwer (“Corre Lola, corre”) y los Wachowsky (Que por fin realizan un proyecto a la altura de la trilogía que les hizo famosos: “Matrix”) nos ofrecen un ejercicio complejo de comprensión en un retablo de actuaciones que se entrelazan temporalmente y que acaba resultando ser una enunciación del principio del karma y un homenaje a toda la historia del cine.

Basada en la novela homónima, la película nos ofrece la historia de una serie de personajes que se presentan en diferentes etapas de la historia, cambian de posición social e incluso de sexo, los actos que hacen en una vida les condicionan en la siguiente y en cada periodo, uno de estos personajes lleva la voz cantante. Original y complicada de llevar a la pantalla, si alguien podía hacerlo eran los Wachowsky, que ya llevaron al cine “Matrix”, esa película cuyo argumento era “incomprensible e imposible de llevar a la gran pantalla” según Hollywood.

Los actores se pluri-emplean y realizan el papel de un mismo personaje durante las épocas, las transformaciones más conseguidas son las de Hugo Weaving, que se convierte en la enfermera de un asilo, o la de Tom Hanks, que se convierte en pastor de un mundo post-apocalíptico. Todas, e insisto, todas las actuaciones están conseguidas, lo cual hace que “El Atlas de las nubes” se convierta en un ejercicio de interpretación soberbio.

Otro punto fuerte de la película es el montaje, las seis historias se nos muestran interrumpidamente haciendo gala de un proceso de edición soberbio que no veíamos desde “Origen” de Chistopher Nolan. Las transiciones entre un periodo y otro están elegidas y estudiadas magistralmente, y una historia que intuimos pero que no sabemos se nos va resolviendo como un cubo de rubik en nuestras manos.

Además, lo que la película representa hace que su valor sea mayor, es un homenaje al cine en general, se nos muestran diferentes géneros cinematográficos (Ciencia Ficción, policiaca, drama, amor…) que se juntan, se separan y se vuelven a juntar en lo que podríamos definir como una alineación de planetas o una danza cósmica. Al final todo cobra sentido, se entiende cada pequeño detalle de la historia y el espectador se va a casa dándole vueltas a la historia.

En conclusión, “El atlas de las nubes” resulta ser una película que rompe moldes, que obliga al espectador a estar atento y a no dormirse, toda ella acompañada de una soberbia banda sonora. Los amantes del cine pueden estar tranquilos, porque ya está demostrado que siempre que una historia compleja aparezca en los estudios y nadie quiera hacerse cargo de ella habrá un puñado de directores emprendedores que se harán cargo de ella, a pesar de que la critica les funda.

Valoración: 9/10

GANGSTER SQUAD: BRIGADA DE ÉLITE

GANGSTER SQUAD

Dirección: Ruben Fleischer

Intérpretes: Josh Brolin, Sean Penn, Ryan Gosling, Emma Stone, Michael Peña, Nick Nolte, Giovanni Ribisi.

Sinopsis: Los Ángeles, 1949, el sargento John O`Mara recibe la misión de formar una brigada especial sin placas para pararle los pies a Mikey Cohen, el mafioso de turno de la ciudad que amenaza con hacerse con el control de toda la ciudad.

El casi novel director cinematográfico Ruben Fleischer se hace cargo de este proyecto después de su desternillante “Bienvenidos  a Zombieland” manejando un reparto mediático.  Un Josh Brolin que mantiene su estrellato con reticencias, un Sean Penn que simplemente se mantiene constante, un Ryan Gosling con valor en alza desde “Drive” y una Emma Stone que despunta después de haber colaborado de antemano con el director en su anterior película y después de haber sido la chica de Spiderman en su nueva y vergonzante adaptación al cine.

A pesar de que los actores sean de renombre, no podemos decir que sus actuaciones merezcan la pena. La película nos muestra un universo de tipos duros y damiselas en apuros. Brolin y Penn parecen pelar por tener el ceño más fruncido, la cara de más mala hostia y dar las leches más contundentes.  Ryan Gosling da el contrapunto pasional en una relación con Emma Stone que cumple todos los tópicos de las películas americanas.

La película en si cumple todos los tópicos, a pesar de que se venda como una película de época, la cuestión histórica no es sino una cáscara cutre que se rompe durante los primeros minutos de película para dar a descubrir simplemente una película de acción americana, con todas sus pegas acrecentadas. Si el espectador se encuentra ante una escena de la película sospechosamente le recuerda a la marabunta de películas de acción americanas que inundan el panorama cinematográfico, que no se extrañe ni intente buscarle otro sentido, es la escena, pero maquillada con un par de sombreros, un par de gabardinas y cambiando el modelo de las ametralladoras.

La película, que ya de por si resulta nefasta, no se queda ahí, sino que además comienza con una escena repugnante de cómo un mafioso parte a un individuo en dos. ¿A qué fin? El prota va al despacho del jefe y este le echa la bronca, ¿Harry el sucio?, la mujer del prota le pide que deje el cuerpo ¿Es una broma? El tío sigue fiel a su deber, y al final machaca al malo, se queda a la chica y todos son felices. Espero que la próxima vez los publicistas tengan la decencia de poner en el cartel “Esto no es una película de gánsteres” nos ahorraremos algo de dinero y prevendremos  a nuestros ojos de un nefasto espectáculo.

Valoración: 3/10

MAMÁ

MAMA

Dirección: Andrés Muschietti

Intérpretes: Jessica Chastain, Nicolaj Coster-Waldau, Megan Carpentier, Isabelle Nellise, Daniel Kash, Javier Botet.

Sinopsis: Un padre huye de la ciudad con sus dos hijas dispuesto a matarlas. Las lleva hasta una cabaña en el bosque y una vez allí un extraño ente impide el asesinato y mata al padre. Años después el hermano del difunto encuentra a las niñas en una situación primitiva en la casa del bosque, decide adoptarlas sin sospechar que durante su estancia en la casa las niñas han estado al cuidado de una misteriosa madre.

Basada en el corto del mismo nombre y dirigida por el mismo director, la gran diferencia es el dinero que Guillermo del Toro ha metido de por medio para hacer de una historia simple y barata un taquillazo mundial. Manejando una atmósfera oscura y misteriosa, “Mamá” podría convertirse en la película de terror de 2013 siguiendo los pasos de la brillante “Sinister” (2012) y la más mediocre “Insidious” (2011).

No nos vamos a engañar, la película empieza bien, por un momento nos podemos imaginar que vamos a asistir al espectáculo de terror que supuso “Sinister”, pero no es así. Basándose en los mismos principios que las ya mencionadas (La visualización fraccionaria y el ambiente de oscuridad) El bicho de la película (mamá) hace demasiadas apariciones dejando desprovisto de efectismo un final que manda a tomar viento toda la tensión acumulada durante a cinta. Sin duda, uno de los peores finales jamás rodados.

Un desperdicio, que esta cinta cuente con una estrella de tal magnitud y calidad interpretativa como Jessica Chastain, que por primera vez esconde su melena pelirroja para transformarse en una madrastra gótica que toca el bajo. Chastain, que ya se ha consagrado como una de las más grandes actrices del momento, hace una actuación competente que no obstante no salva la película.

Una vez más, el mayor logro técnico de la película resulta ser el bicho en cuestión. El actor español Javier Botet repite el rol como ya lo hizo en las españolas “Rec” y Rec 2” haciendo del espectro que da nombre a la película. La mano de Guillermo del Toro se ve en ocasiones y pequeños detalles como la música de hadas del final nos recuerdan a “El laberinto del Fauno”.

En conclusión, “Mamá” resulta ser una película que se vende bien, cuenta con una actriz de renombre y arrastra el legado de las últimas películas de terror de los últimos 3 años, las cuales han sido de gran calidad, pero no obstante la película va decayendo a medida que transcurre concluyendo con un final que nos hará reclamar el dinero de nuestra entrada. Esperemos que el cine de terror busque de ahora en adelante la calidad en vez de la taquilla y nos ofrezca antes de que acabe 2013 un proyecto que merezca la pena.

Valoración: 4/10